작품의 구조, 원칙적으로 이미지 구성, 줄거리, 구성, 언어. 그 방법은 예술적 사고의 특성과 미적 이상에 따라 현실을 이해하고 재현하는 것입니다.”
현실을 묘사하는 방법의 문제는 고대에 처음 인식되었으며 "모방 이론"이라는 이름으로 아리스토텔레스의 작품 "시학"에서 완전히 구체화되었습니다.
아리스토텔레스에 따르면 모방은 시의 기초이며 그 목표는 실제 세계와 유사한 세계, 더 정확하게는 그것이 어떻게 될 수 있는지를 재현하는 것입니다. 이 이론의 권위는 낭만주의자들이 저자의 의지에 따라 현실을 재창조하는 다른 접근 방식(고대, 더 정확하게는 헬레니즘에 뿌리를 두고 있음)을 제안한 18세기 말까지 남아 있었습니다. "우주"의 법칙이 아닙니다.
지난 세기 중반 국내 문학 비평에 따르면이 두 개념은 고전주의, 낭만주의의 "방법"인 "현실적"과 "낭만적"이라는 두 가지 "창의성 유형"의 기초가됩니다. 다른 유형사실주의, 모더니즘. "방법"이라는 개념은 "방법에 관하여"(1818)라는 논문을 쓴 A. Watteau, D. Diderot, G. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge 등 많은 문학 이론가와 작가들에 의해 사용되었다고 말해야 합니다.
모방 이론은 자연주의 발전의 기초가되었습니다. E. Zola는 "테레즈 라캥을 작업하면서 세상의 모든 것을 잊어버렸고, 힘들게 인생을 복사하는 일에 뛰어들었고 연구에만 전념했습니다"라고 썼습니다. 인간의 몸..."64 현실을 반영하는 이러한 방법의 특징은 종종 이미지 주제에 대한 작품 제작자의 완전한 의존성입니다. 예술적 지식은 복사로 변합니다.
또 다른 모델은 주관성의 자의성으로 이어질 수 있습니다. 예를 들어, F. Schiller는 현실(“재료”)을 재창조하는 예술가가 “... 자신에 대한 폭력을 거의 멈추지 않습니다... 그가 처리하는 재료를 기계공만큼 존중하지 않습니다. 그는 이 자료의 자유를 보호하는 눈의 겉보기 순응으로 속이려고 할 뿐입니다.”
많은 연구에서 과학자들은 방법 개념에 창의성 유형, 예술적 사고 유형 개념을 추가할 것을 제안합니다. 동시에 두 가지 유형의 창의성, 즉 재창조와 재창조는 예술적 성찰 원칙의 전체 풍부함을 포괄합니다.
방법과 방향의 관계 문제에 관해서는 방법이 다음과 같다는 점을 고려할 필요가 있다. 일반 원칙삶에 대한 비유적인 반영은 역사적으로 특정한 현상으로서의 방향과 다릅니다.
결과적으로 특정 방향이 역사적으로 독특하다면 문학 과정의 광범위한 범주로서 동일한 방법이 다양한 시대와 민족, 따라서 다양한 방향과 경향의 작가의 작품에서 반복될 수 있습니다.
예를 들어, 우리는 이미 고전주의와 감상주의의 방향으로 현실을 반영하는 현실적 원리의 요소를 접합니다. 즉, 사실주의 방법 자체가 출현하기 전에도 이미 확립 된 현실주의가 나중에 모더니즘 작품에 침투하는 것과 같습니다.
문학 비평 소개 (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin 등) / Ed. L.M. Krupchanov. - M, 2005
예술적 방법
우리는 다음과 같은 문학 과정 범주의 관계와 상호관계를 명확하게 이해해야 합니다. 예술적 방법, 문학적 방향 및 움직임, 예술 스타일 .
문학 과정의 개념은 가장 일반적이며, 문학을 특징짓는 모든 범주를 정의하는 최초의 개념입니다. 다른 측면다양한 측면과 관련된 문헌.
예술적 방법- 이것은 삶의 비유적인 반영을 위한 일련의 기본 창의적 원칙인 세상을 마스터하고 표시하는 방법입니다. 이 방법은 작가의 예술적 사고 구조라고 할 수 있으며, 이는 특정 미적 이상에 비추어 현실에 대한 접근 방식과 재구성을 결정합니다.
방법은 콘텐츠에 구현되어 있습니다. 문학 작품. 이 방법을 통해 우리는 작가가 현실을 재현하는 덕분에 선택, 평가, 유형화 (일반화), 캐릭터의 예술적 구현, 역사적 굴절의 삶 현상 등 창의적인 원칙을 이해합니다.
이 방법은 문학 작품 영웅의 생각과 감정의 구조, 행동과 행동의 동기, 인물과 사건의 관계에서 나타납니다. 인생의 길, 등장 인물의 운명과 시대의 사회 역사적 상황.
예술적 방법은 생활 자료의 선택, 평가, 원칙, 예술적 일반화 및 재검토의 일반적인 형태를 위한 원칙 시스템입니다. 이는 전체적인 이데올로기적, 평가적, 개별적 고유성, 사회적 태도예술가는 현실, 의식적 또는 자발적으로 반영된 요구, 이념적, 예술적 전통에 직면합니다. 예술적 방법은 예술적 이미지의 특이성을 크게 결정합니다.
"예술적 스타일"의 개념은 "예술적 방법"의 개념과 밀접한 관련이 있습니다. 이 방법은 문체로 구현된다. 즉, 이 방법의 일반적인 속성은 작가의 문체에서 국가역사적 특수성을 받는다.
"방법"(gr. - 연구 경로)의 개념은 "알 수 있는 현실, 즉 재창조에 대한 예술가의 창의적인 태도의 일반 원칙"을 의미합니다. 이것은 서로 다른 역사적, 문학적 시대에 변화한 삶을 이해하는 일종의 방법입니다. 일부 과학자들에 따르면, 이 방법은 추세와 방향의 기초가 되며 특정 방향의 작품에 내재된 현실에 대한 미학적 탐구 방법을 나타냅니다. 방법은 미학적이며 매우 의미 있는 범주입니다.
현실을 묘사하는 방법의 문제는 고대에 처음 인식되었으며 "모방 이론"이라는 이름으로 아리스토텔레스의 작품 "시학"에서 완전히 구체화되었습니다. 아리스토텔레스에 따르면 모방은 시의 기초이며 그 목표는 실제 세계와 유사한 세계, 더 정확하게는 그것이 어떻게 될 수 있는지를 재현하는 것입니다. 이 이론의 권위는 낭만주의자들이 저자의 의지에 따라 현실을 재창조하는 다른 접근 방식(고대, 더 정확하게는 헬레니즘에 뿌리를 두고 있음)을 제안한 18세기 말까지 남아 있었습니다. "우주"의 법칙이 아닙니다. 지난 세기 중반 국내 문학 비평에 따르면이 두 개념은 고전주의, 낭만주의, 다양한 유형의 사실주의의 "방법"인 "현실주의"와 "낭만주의"라는 두 가지 "창의성 유형"의 기초가됩니다. 모더니즘이 어울린다. "방법"이라는 개념은 "방법에 관하여"(1818)라는 논문을 쓴 A. Watteau, D. Diderot, G. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge 등 많은 문학 이론가와 작가들에 의해 사용되었다고 말해야 합니다.
많은 연구에서 과학자들은 방법 개념에 창의성 유형, 예술적 사고 유형 개념을 추가할 것을 제안합니다. 동시에 두 가지 유형의 창의성, 즉 재창조와 재창조는 예술적 성찰 원칙의 모든 풍부함을 포괄합니다.
방법과 방향의 관계에 대한 문제에 있어서는 삶의 형상적 성찰의 일반적 원리인 방법이 역사적으로 특수한 현상으로서의 방향과 다르다는 점을 고려할 필요가 있다. 결과적으로 특정 방향이 역사적으로 독특하다면 문학 과정의 광범위한 범주로서 동일한 방법이 다양한 시대와 민족, 따라서 다양한 방향과 경향의 작가의 작품에서 반복될 수 있습니다. 예를 들어, 우리는 이미 고전주의와 감상주의의 방향으로 현실을 반영하는 현실적 원리의 요소를 접합니다. 즉, 사실주의 방법 자체가 출현하기 전에도 이미 확립 된 현실주의가 나중에 모더니즘 작품에 침투하는 것과 같습니다.
예술적 방법(그리스어에서 문자 그대로 "메소도스" - 연구 경로)은 현실의 미적 발전에 대한 가장 일반적인 원칙 세트로, 하나 또는 다른 작가 그룹의 작업에서 일관되게 반복되어 방향을 형성합니다. , 운동 또는 학교. 방법을 분리하는 데 객관적인 어려움이 있습니다. “예술적 방법은 미학적이며 매우 의미 있는 범주입니다. 다음과 같이 줄일 수는 없습니다. 공식적인 방법이미지 구성이나 작가의 이데올로기에도 영향을 미치지 않습니다. 이는 특정 미적 이상에 비추어 현실을 묘사하기 위한 일련의 이데올로기적, 예술적 원칙을 나타냅니다. 세계관은 예술가의 재능, 시적 사고와 합쳐질 때 유기적으로 방식에 들어가며 사회 정치적 경향의 형태로만 작품에 존재하지 않습니다.”(N.A. Gulyaev). 이 방법은 단지 일부 견해, 적어도 가장 미적인 견해의 시스템이 아닙니다. 매우 전통적인 방식으로 우리는 방법을 하나의 관점으로 말할 수 있지만 추상적이고 초기적인 것이 아니라 특정 예술의 특정 재료에서 이미 발견된 방법에 대해 이야기할 수 있습니다. 이것은 삶의 일반적인 개념과 관련된 이러한 현상에 대한 예술적 사고 또는 예술적 개념입니다. 방법은 주로 카테고리로 되어있습니다 예술적 창의성, 따라서 예술적 의식. 이 방법은 현실 물질의 예술적 재창조의 통일성을 전제로 일관되게 구현되는 성찰 방법이며, 작가의 주요 추세를 드러내고 이해하려는 목표에 종속된 삶의 상상적 비전의 통일성을 실현합니다. 현대 생활과 그의 사회적 이상의 구현.
방법의 범주는 한편으로는 창의성 유형의 범주, 다른 한편으로는 스타일의 범주와 연결됩니다. 이미 기원전 5세기에. 이자형. 소포클레스는 상반되는 두 가지 유형의 예술적 사고를 격언적으로 설명했습니다. "그(에우리피데스)는 사람을 있는 그대로 묘사하고 나는 그래야 합니다." 아래에 스타일일반적으로 이는 창의적인 필기의 개인 고유성, 선호하는 기술 집합, 개인의 통일성 및 많은 개인에게 공통된 창의성의 전형적인 특징으로 이해됩니다. 작품의 예술적 구조에서 가장 활발한 스타일 형성 요소는 표현의 평면과 관련됩니다. 그러나 동시에 스타일은 "표현된 내용에 해당하는 작품의 다양한 측면과 요소의 직접적으로 인식되고 완전한 통합"입니다(G.N. Pospelov). 스타일과 시학의 다른 범주, 특히 예술적 방법의 차이점은 즉각적이고 구체적인 구현에 있습니다. 문체적 특징은 작품 표면에 예술적 형식의 모든 주요 측면에 대한 가시적이고 유형적인 통합으로 나타나는 것처럼 보입니다. .
스타일은 “예술의 내용과 형식을 흔적 없이 흡수하고 단어부터 중심 사상까지 작품의 모든 것을 통합하고 안내합니다”(Benedetto Croce). 스타일에 대한 언어학적 접근 방식은 연구의 주요 대상이 언어, 문학 작품의 첫 번째 명확하게 구별되는 외관 및 물질성인 언어라고 가정합니다. 이는 내부 언어 법칙이 전면에 등장한다는 것을 의미합니다. 스타일, 예술적 직물은 언어에 추가로 존재하는 다양한 스타일과 사전에 제공된 스타일(성직 관료적, 서간적, 고풍적, 비즈니스, 과학적 표현 스타일 등)의 조합으로 간주됩니다. 그러나 이러한 접근은 문학 양식의 변화를 설명하지 못한다. 더욱이 예술작품의 스타일은 기계적 결합으로 환원될 수 없다. 스타일은 작가의 작품, 개별 작품, 문학 운동 또는 국가 문학의 독창성을 특징으로 하는 예술적 표현 수단인 비유 체계의 안정적인 공동체입니다. 넓은 의미의 스타일은 예술적 형식을 구축하고 작품에 유형의 무결성, 균일한 톤 및 색상을 부여하는 교차 원리입니다.
스타일 형성의 메커니즘은 무엇입니까? D.S. Likhachev는 이것으로부터 진행됩니다 (“문학의 남자 고대 러시아'"), 그 예술적 스타일은 작가의 현실에 대한 일반적인 인식과 작가가 스스로 설정 한 작업에 따라 결정되는 작가의 예술적 방법을 결합합니다. 즉, 스타일은 작가가 작품에서 무엇을 선택하느냐가 아니라 그것을 어떻게, 어떤 각도에서 표현하느냐 하는 것이다.
예술적 방법과의 연관성을 고려하지 않고 스타일을 설명하는 것은 불가능합니다. 예술적 방법의 개념은 역사적 현실이 예술의 내용뿐만 아니라 예술의 가장 깊은 미학적 법칙을 결정한다는 사실을 표현합니다. 창의적인 방법은 역사적 과제에 대한 사람들의 실제적인 태도와 삶에 대한 이해를 미학적으로 요약하고 예술적 이미지의 구조를 결정하는 이상과 현실 사이의 특별한 관계를 만듭니다. 따라서 자연과 사회적 관계에 대한 신화적 관점은 그리스 환상과 그리스 예술의 기초가 되었습니다. 고전 예술의 창의적인 방법은 예술가가 불완전함 속에서 완벽함을 추측하여 인간 정신의 가능성의 모든 조화로운 충만함을 실현했음을 보여줄 것을 요구했습니다. 고전 예술의 창의적인 방법은 예술가에게 현실보다 이미지를 의무적으로 높이는 다소 일정한 각도, 생명 현상의 예술적 표현에서 다소 확립 된 방향을 나타냅니다. 따라서 그는 스타일의 시작을 제시했습니다. 고전 예술에 내재된 이상과 현실의 관계는 명확성과 투명성, 규범성, 아름다움, 엄격한 질서, 고유한 조화로운 부품 균형과 내부 완전성의 평화, 명백한 연결로 고전 스타일을 이해하는 열쇠로 밝혀졌습니다. 형태와 기능, 리듬의 가장 중요한 중요성, 순진한 간결함과 놀라운 비례감이 특징입니다.
스타일은 형태의 구성, 연결 및 유사성의 패턴으로, 이러한 형태가 특정 작품의 특정 내용을 표현할 뿐만 아니라 가장 많은 것을 재현할 수 있게 해줍니다. 일반 징후인간과 자연 및 사회의 관계. 스타일은 표현의 일반적인 성격이다 다양한 형태. 스타일은 예술적 내용(고딕 스타일, 바로크 스타일, 거짓 고전 스타일, 로코코 스타일 등)의 통일성을 드러내는 형태의 연결입니다. 큰 스타일, 소위 시대 스타일 (르네상스, 바로크, 고전주의), 다양한 방향과 움직임의 스타일, 예술가의 개별 스타일이 있습니다.
그 스타일은 쓴 내용을 지우는 데 사용되는 반대쪽 끝에 공이 있는 뾰족한 필기 막대였습니다. 따라서 캐치프레이즈는 "스타일을 더 자주 바꾸세요!"입니다.
“스타일은 사람이다”(J. Buffon).
“스타일은 문학 작품을 방부 처리합니다”(A. Daudet).
“스타일은 다음과 같이 정의될 수 있습니다: 적절한 위치에 적절한 단어”(J. Swift).
“스타일은 마음의 얼굴이며 실제 얼굴보다 덜 기만적입니다. 다른 사람의 스타일을 흉내내는 것은 마스크를 쓰는 것과 같습니다. 스타일의 거만함은 얼굴을 찡그린 것과 같습니다.”(A. Schopenhauer).
방법과 스타일 사이의 관계는 무엇을 하느냐에 따라 달라진다. 다른 단계예술적 발전. 일반적으로 예술 발전 초기에는 스타일이 통일되고 포괄적이었으며 종교적, 독단적 규범에 엄격하게 종속되었습니다. 시대, 문화의 미적 코드)가 눈에 띄게 약화됩니다.
사실주의 이전 미술에서는 일반적인 스타일이 우세하고, 사실주의 미술에서는 개별 스타일이 우세합니다. 첫 번째 경우에는 그 방법이 특정 스타일과 합쳐지는 것처럼 보이고, 두 번째 경우에는 그 기반으로 성장하는 스타일이 더 풍부하고 유사하지 않을수록 더 완벽하게 구현됩니다. 전자의 경우에는 통일성을 가져오는 방법이고, 후자에서는 다양한 스타일을 가져오는 방법입니다. 일반적인 스타일의 우세는 상대적으로 단순한 예술적 내용에 해당합니다. 안에 고대 사회사람들 사이의 관계는 여전히 명확하고 투명합니다. 모든 유형의 예술에는 동일한 신화적 모티프와 주제가 반복됩니다. 예술적 콘텐츠의 범위는 여전히 매우 좁습니다. 개인적인 관점의 차이는 하나의 미적 전통의 경계 내에 들어맞습니다. 이 모든 것이 공통 스타일의 형성을 결정하는 예술적 콘텐츠의 통일로 이어집니다.
일반 양식의 우세는 예술적 일반화의 방법인 이상화의 우세와 유형화를 통한 개별 양식의 우세로 결정적으로 연결된다. 이상화는 이질적인 현상을 하나의 스타일로 더 쉽게 연결합니다. 고전 예술에서 형태는 사실적인 이미지보다 필연적으로 더 일관되고 견고하며 안정적입니다. 일반적인 스타일은 아티스트의 개성을 종속시킵니다. 일반적인 스타일의 요구 사항을 충족하는 개인 재능에만 범위가 주어지고 발전할 수 있습니다. 따라서 늙은 러시아 문학의 일반적인 스타일을 논의하는 D.S. Likhachev는 민속 집단주의의 특징이 고대 러시아 문학에 여전히 살아 있다고 썼습니다. 이것은 개인적인 요소가 음소거 된 문학입니다. 많은 작품이 이전 작품을 통합하고 여러 작가가 만든 문학적 에티켓의 전통을 따르며 이후 서신을 통해 수정되고 보완되었습니다. 이러한 특징 덕분에 고대 러시아의 문학은 기념비적인 서사적 원리를 담고 있다. 이 기념비성은 고대 러시아의 작품이 주로 다음과 같은 것에 전념하고 있다는 사실로 인해 더욱 강화됩니다. 역사적 주제. 여기에는 오락과 오락을 위해 설계된 허구적이고 상상적인 내용이 덜 포함되어 있습니다. 이 문헌의 진지함은 주요 작품이 최고의 의미에서 시민적이라는 사실에도 기인합니다. 저자는 자신의 글을 조국에 대한 봉사로 인식합니다. 고대 러시아 작가들의 이상이 높을수록 현실의 단점(역사적 기념물주의)을 받아들이기가 더 어려워졌습니다.
17~18세기 고전주의에서 일반 스타일의 의무적 성격은 확립되고 논쟁의 여지가 없는 고대의 권위, 모방 대상으로서의 예술적 이미지의 결정적인 중요성에 대한 인식에 의해 뒷받침됩니다. 종교적 신화적 권위주의는 미적 권위주의(규칙)로 대체됩니다. 특정 작품이 일반적인 스타일에 속하는지 여부를 고려한 다음 개별 스타일에 따라 수정, 강화 및 혁신을 발견하는 것이 필요합니다. 일반적인 스타일은 예술가를 종속시키고 그의 미적 취향을 결정합니다. 사실주의는 미적 취향의 유형 자체를 변화시키고 자연스럽게 발전하는 능력을 포함합니다. 현실적인 방법은 사람들의 관계가 극도로 혼란스러운 모습을 보이는 새로운 시대와 관련이 있습니다.
자본주의 시대에는 사회적, 정치적, 이념적 관계의 복잡한 메커니즘이 발전하고 사물이 의인화되고 사람이 물화됩니다. 예술의인지 능력이 확장되고 있습니다. 서술에는 분석이 깊숙이 박혀 있고, 예술적 내용의 범위가 넓어지며, 삶의 산문의 거대한 영역이 열린다. 작가는 이전에 민속 환상에 의해 재작업되고 현실 현상에 대한 집단적 평가를 포함했던 삶의 과정을 더 이상 다루지 않습니다. 이제부터 그는 독립적으로 현실의 이미지를 찾아야 한다. 덕분에 관찰자의 위치인 화각의 작은 변화만으로도 예술적 내용이 드라마틱하고 크게 변화되기에 충분하다. 이전에는 이러한 변화로 인해 단일 스타일의 경계 내에서 개인 색조가 형성되었지만 이제는 개별 스타일 출현의 기초가되었습니다. 예술가들 사이의 역사적 활동에 대한 평가, 측면, 견해, 접근 방식 및 정도의 다양성은 매우 중요합니다. 현실에 대한 개인의 태도와 개인의 표현 형태.
– 선택
아트 디렉션 – 그레이딩
– 일반화
– 예술적 구현
고전주의– 17세기 유럽 문학의 예술적 스타일과 미학적 방향 – 초기. XVIII 세기의 중요한 특징 중 하나는 이상적인 미적 표준으로서 고대 문학과 예술의 이미지와 형태에 대한 호소력이었습니다. 통합 예술 시스템으로서 고전주의는 절대주의가 강화되고 번성하는 기간 동안 프랑스에서 형성되었습니다. 고전주의는 17세기 프랑스 문학의 예술적 경험을 요약한 N. Boileau의 "The Poetic Art"(1674)에서 완벽하게 체계적으로 표현되었습니다. 고전주의의 미학은 데카르트주의의 철학적 사상에 상응하는 합리주의의 원칙을 기반으로합니다. 그들은 예술 작품이 의식적으로 창조되고, 지능적으로 조직되고, 논리적으로 구성된 인공 창조물이라는 관점을 확증합니다. 고전주의자들은 "자연의 모방"이라는 원칙을 제시하면서 고대 예술 시학(아리스토텔레스, 호레이스)에서 유래한 흔들리지 않는 규칙을 엄격히 준수하는 것이 필수 조건이라고 생각하고 예술적 형태의 법칙을 결정하여 삶을 변화시킵니다. 물질을 아름답고 논리적으로 조화로우며 명확한 예술 작품으로 변화시킵니다.
자연의 예술적 변형, 자연을 아름답고 고상하게 변형시키는 것은 동시에 최고의 지식을 지닌 행위입니다. 예술은 종종 현실의 외부 혼돈과 무질서 뒤에 숨겨져 있는 우주의 이상적인 패턴을 드러내도록 요구됩니다. 이상적인 패턴을 이해하는 마음은 개인의 특성과 삶의 다양성과 관련하여 "오만한"원리로 작용합니다. 고전주의 이미지는 모델을 향해 끌리며, 개인이 일반으로, 일시적인 것이 영원으로, 실제가 이상으로, 역사가 신화로 변하는 특별한 거울이며, 혼돈과 질서에 대한 이성과 질서의 승리입니다. 유동적인 삶의 경험. 이는 또한 고전주의 미학이 매우 중요하게 여기는 예술의 사회적, 교육적 기능과도 일치합니다.
고전주의의 미학은 "높은"(비극, 서사시, 송시, 해당 영역은 공적 생활, 역사적 사건, 신화, 영웅-군주, 장군, 신화 인물, 종교 신자)로 구분되는 엄격한 장르의 계층 구조를 설정합니다. '낮음'(코미디, 풍자, 우화)은 중산층 사람들의 사적인 일상을 묘사합니다. 각 장르는 엄격한 경계와 명확한 형식적 특징을 갖고 있으며, 숭고함과 저속함, 비극과 희극, 영웅적과 평범함의 혼합이 허용되지 않습니다. 고전주의의 주요 장르는 세기의 가장 중요한 사회적, 도덕적 문제를 다룬 비극이었습니다. 도덕적 의무와 개인적인 열정 중에서 선택해야 할 필요성에 직면하여 영웅의 영혼에 반영된 사회적 갈등이 나타납니다. 이 충돌에서 인간의 공적 존재와 사적 존재의 양극화가 나타났고, 이는 이미지의 구조도 결정했습니다.
낭만주의 - 18세기 후반 유럽과 미국 문학의 가장 큰 경향 중 하나 19세기 중반수세기에 걸쳐 전 세계적으로 중요성과 배포를 얻었습니다. 낭만주의는 반계몽주의 운동의 정점이었다. 주요 사회 이념적 전제 조건은 프랑스 대혁명의 결과와 부르주아 문명 전반에 대한 실망입니다. 부르주아 생활 방식에 대한 거부, 저속함과 산문에 대한 항의, 부르주아 관계의 영성 부족 및 이기심은 감상주의와 낭만주의 이전의 표현에서 발견되었으며 낭만주의자들 사이에서 특별한 신랄함을 얻었습니다. 역사의 현실은 '이성'의 통제를 벗어나 비합리적이고, 비밀이 가득한현대 세계 질서는 인간 본성과 개인의 자유에 적대적입니다.
사회, 산업, 정치, 사회에 대한 불신 과학적 진보, 이는 새로운 대조와 적대감뿐만 아니라 개인의 "단편화", 평준화 및 영적 파괴, 사회에 대한 실망을 가져왔으며, 이는 최고의 마음(가장 "자연스럽고" 합리적인")에 의해 예표되고 정당화되고 설교되었습니다. 유럽에서는 점차 우주적 비관주의로 발전했습니다. 보편적이고 보편적 인 성격을 띠면서 절망, 절망, "세계 슬픔"(Chateaubriand, Musset, Byron의 영웅에게 내재 된 "세기의 질병")의 분위기를 동반했습니다. "끔찍한 세상" "악에 누워있는"(물질적 관계의 맹목적인 힘, 운명의 비합리성, 일상 생활의 영원한 단조로움에 대한 우울함)이라는 주제는 낭만주의 문학의 전체 역사를 통해 가장 명확하게 구현되었습니다. J. Byron, E. Hoffmann, E. Poe 등의 작품에서 "바위 드라마"에서. 동시에 낭만주의는 빠르게 발전하고 갱신되는 세계에 대한 소속감, 삶의 흐름, 세계사 과정에 포함, 숨겨진 부에 대한 느낌과 무한한 존재 가능성이 특징입니다. 자유로운 인간 정신의 전능함에 대한 믿음을 바탕으로 한 "열정", 갱신에 대한 열정적이고 모든 것을 포괄하는 갈증은 낭만적인 세계관의 특징 중 하나입니다(N.Ya. Berkovsky "독일의 낭만주의" 작품 참조). 이에 대해, pp. 25–26).
현실, 문명과 진보의 가능성에 대한 실망의 깊이와 보편성은 절대적이고 보편적인 이상에 대한 "무한"에 대한 낭만적인 갈망과 정반대입니다. 낭만주의자들은 삶의 부분적인 개선이 아니라 삶의 모든 모순에 대한 전체적인 해결을 꿈꿨습니다. 이전 운동의 특징이었던 이상과 현실의 불일치는 소위 낭만주의의 본질인 낭만주의에서 특별한 날카로움과 강렬함을 얻습니다. 두 개의 세계.낭만주의자들은 현대 문명 사회의 일상을 무색하고 평범한 것으로 거부하고 특이한 모든 것을 추구했습니다. 그들은 환상, 민속 전설, 민속 예술, 과거 역사적 시대, 이국적인 자연 그림, 삶, 생활 방식 및 먼 나라와 민족의 관습에 매료되었습니다. 그들은 기본적인 물질적 실천을 숭고한 열정(사랑에 대한 낭만적인 개념) 및 정신의 삶과 대조했는데, 낭만주의자들의 가장 높은 표현은 예술, 종교, 철학이었습니다.
낭만주의자들은 인간 정신 세계의 놀라운 복잡성, 깊이, 이율배반성, 인간 개성의 내적 무한성을 발견했습니다. 그들에게 사람은 소우주, 소우주이다. 강하고 생생한 감정, 영혼의 비밀스러운 움직임, "밤"측면에 대한 강렬한 관심, 직관과 무의식에 대한 갈망은 낭만적인 세계관의 본질적인 특징입니다. 낭만주의의 특징은 자유, 주권, 개인의 자존심, 개인에 대한 관심 증가, 인간의 독특함, 개인 숭배입니다. 개인을 위한 사과는 말하자면 무자비한 역사의 행진과 부르주아 사회에서 인간 자신의 점점 더 평준화되는 것에 대한 자기 방어 역할을 했습니다.
역사주의와 민속 예술(주로 장소와 시간의 색상을 충실하게 재현한다는 의미에서)에 대한 요구는 낭만주의 예술 이론의 지속적인 성취 중 하나입니다. 끝없이 다양한 지역적, 시대적, 국가적, 역사적, 개별적 특성은 낭만주의의 눈에 특정한 철학적 의미를 가졌습니다. 그것은 단일 세계 전체, 즉 우주의 부를 발견한 것이었습니다. 미학 분야에서 낭만주의는 고전주의적인 "자연의 모방"을 현실 세계를 변화시킬 권리가 있는 예술가의 창조적 활동과 대조했습니다. 예술가는 자신만의 특별한 세계, 더 아름답고 진실하므로 경험적 세계보다 더 현실적입니다. 현실은 예술 자체가 최고의 현실이기 때문입니다. 낭만주의자들은 예술가의 창조적 자유를 맹렬히 옹호하고 미학의 규범성을 거부했지만, 이는 그들 자신의 낭만적인 표준의 창조를 배제하지 않았습니다.
예술적 표현 원리의 관점에서 볼 때, 낭만주의자들은 환상, 풍자적 그로테스크, 형식의 실증적 관례성, 단편화, 단편화, 절정의 구성에 끌렸고, 평범함과 비일상, 비극과 희극을 대담하게 혼합했습니다.
실재론,예술의 예술적 방향으로, 예술가는 삶 자체의 현상의 본질에 해당하고 현실 사실의 유형화를 통해 생성되는 이미지로 삶을 묘사합니다. 사람이 자신과 주변 세계를 이해하는 수단으로서 현실주의의 중요성을 확인하면서 현실주의는 삶에 대한 깊은 이해와 고유한 모순이 있는 현실을 폭넓게 다루기 위해 노력하며, 예술의 모든 측면을 조명할 예술가의 권리를 인정합니다. 제약 없는 삶. 현실주의 예술은 인간과 환경의 상호 작용, 사회적 조건이 인간 운명에 미치는 영향, 사회적 상황이 사람들의 도덕 및 영적 세계에 미치는 영향을 보여줍니다. 넓은 의미에서 사실주의의 범주는 작가가 특정 운동에 소속되어 있는지에 관계없이 문학 작품과 현실의 관계를 결정하는 역할을 합니다. 러시아 사실주의의 기원은 I.A. Krylov, A.S. 그리보예도프, A.S. 푸쉬킨 (서구 문학에서 사실주의는 다소 나중에 나타났습니다. 첫 번째 대표자는 Stendhal과 Balzac이었습니다).
사실주의의 주요 특징. 1. 현실주의 예술가의 작품을 안내하는 삶의 진리 원칙은 삶의 전형적인 특성을 가장 완벽하게 반영하기 위해 노력합니다. 삶 자체의 형태로 재현되는 현실 묘사의 충실성은 예술성의 주요 기준입니다. 2. 사회 분석, 사고의 역사주의. 삶의 현상을 설명하고 그 원인과 결과를 사회 역사적 기반으로 설정하는 것은 현실주의입니다. 즉, 현실주의는 주어진 현상의 조건부, 발전 및 다른 현상과의 연결에 대한 이해를 전제로하는 역사주의 없이는 생각할 수 없습니다. 역사주의는 현실을 이해하는 일종의 열쇠이자 과거, 현재, 미래를 연결하는 현실주의 작가의 세계관과 예술적 방법의 기초입니다. 과거, 작가는 우리 시대의 긴급한 질문에 대한 답을 찾고, 현대성을 이전 역사적 발전의 결과로 해석합니다. 사실주의 문학에서 등장인물의 내면 세계와 행동은 원칙적으로 지울 수 없는 시간의 흔적을 담고 있습니다. 작가는 종종 특정 사회의 존재 조건에 대한 사회적, 도덕적, 종교적 사상의 직접적인 의존성을 보여주고 당시의 사회적, 일상적 배경에 큰 관심을 기울입니다. 동시에 성숙한 사실주의 예술에서 상황은 사람들의 영적 세계를 드러내는 데 필요한 전제 조건으로 만 묘사됩니다. 3. 삶에 대한 비판적 묘사. 작가들은 현실의 부정적인 현상을 깊고 진실되게 보여주고, 그것을 폭로하는데 중점을 둔다. 그러나 동시에 현실주의에는 대중에 대한 동정심, 긍정적인 영웅인생에서 인간의 무한한 가능성에 대한 믿음. 4. 전형적인 인물의 전형적인 상황에서의 묘사, 즉 인물은 어떤 사회역사적 조건에서 그들을 키우고 형성한 사회적 환경과 긴밀하게 연관되어 묘사된다. 5. 개인과 사회의 관계는 사실주의 문학이 제기하는 주요한 문제이다. 이러한 관계의 드라마는 사실주의에 중요합니다. 일반적으로 현실적인 작품의 초점은 삶에 불만을 갖고 환경에서 벗어나는 비범한 개인에 있지만 이것이 현실주의자가 눈에 보이지 않는 사람들, 환경과 합쳐지는 대중의 대표자(유형)에 관심이 없다는 것을 의미하지는 않습니다. 고골과 체호프의 작은 남자). 6. 캐릭터 캐릭터의 다재다능함: 행동, 행위, 말, 생활 방식 및 내면 세계, 감정적 경험의 심리적 세부 사항에서 드러나는 "영혼의 변증법". 따라서 현실주의는 인간 정신의 깊이에 대한 미묘한 침투의 결과로 모순되고 복잡한 성격 구조를 생성함으로써 세계의 창의적인 탐구에서 작가의 가능성을 확장합니다. 7. 표현력, 밝기, 이미지, 러시아 문학 언어의 정확성은 현실주의 작가들이 공통 언어에서 끌어내는 구어체 요소로 풍부해졌습니다. 8. 다양한 장르(서사시, 서정시, 극적, 풍자). 9. 현실의 반영은 허구와 환상을 배제하지 않지만 이러한 예술적 수단이 작품의 주요 톤을 결정하지는 않습니다.
예술적 방법 - 이것은 현실 현상, 평가 특징 및 예술적 구현의 독창성을 선택하는 원리 (방법)입니다. 즉, 방법은 내용과 예술적 형식 모두와 관련된 범주입니다. 예술 발전의 일반적인 역사적 추세를 고려해야만 특정 방법의 독창성을 결정할 수 있습니다. 문학 발전의 다양한시기에 우리는 서로 다른 작가 나 시인이 현실을 이해하고 묘사하는 동일한 원칙에 따라 인도되는 것을 볼 수 있습니다. 즉, 방법은 보편적이며 특정 역사적 조건과 직접적인 관련이 없습니다. 우리는 현실적인 방법과 A.S. 의 코미디와 관련하여 이야기하고 있습니다. Griboyedov 및 F.M. Dostoevsky 및 M.A. Sholokhov. 그리고 낭만적 인 방법의 특징은 V.A. 의시에서 모두 드러납니다. Zhukovsky 및 A.S. 그린나. 그러나 문학사에는 하나 또는 다른 방법이 지배적이되고 시대의 특성 및 문화 추세와 관련된보다 구체적인 특징을 획득하는 기간이 있습니다. 이 경우에 우리는 이미 문학적 방향 . 다양한 형태와 관계의 방향은 어떤 방법으로든 나타날 수 있습니다. 예를 들어 L.N. Tolstoy와 M. Gorky는 현실주의자입니다. 그러나 한 작가 또는 다른 작가의 작품이 어느 방향에 속하는지 결정해야만 그들의 예술 시스템의 차이점과 특징을 이해할 수 있습니다.
문학 운동 - 같은 시대의 여러 작가들의 작품에서 이념적, 주제적 통일성, 줄거리, 인물, 언어의 동질성을 나타냅니다. 종종 작가 자신도 이러한 친화력을 인식하고 이를 소위 “문학 선언문”으로 표현하며 자신을 문학 그룹이나 학파라고 선언하고 특정 이름을 부여합니다.
고전주의 (라틴어 고전에서 - 샘플) - 이성의 숭배와 미적 이상의 절대적인 (시간과 국적에 관계없이) 성격에 대한 아이디어를 기반으로 17 세기 유럽 예술과 문학에서 발생한 운동입니다. 따라서 예술의 주요 임무는 고대에 가장 완전한 표현을 받은 이 이상에 가장 가까운 접근이 됩니다. 따라서 '모델에 따라 작업'하는 원칙은 고전주의 미학의 기본 원칙 중 하나입니다.
고전주의의 미학은 규범적이다. “무질서하고 고의적인” 영감은 규율, 확립된 규칙을 단번에 엄격하게 고수하는 것과 대조됩니다. 예를 들어, 드라마의 "세 가지 통일성"의 법칙은 행동의 통일성, 시간의 통일성, 장소의 통일성입니다. 또는 "장르의 순수성" 규칙: 작품이 "고급"(비극, 송시 등) 장르에 속하는지 또는 "저급"(코미디, 우화 등) 장르에 속하는지 여부에 따라 작품의 주제, 등장 인물 유형, 줄거리와 스타일의 발전까지. 감정에 대한 의무, 이성적 감정에 대한 반대, 공공의 이익을 위해 항상 개인적인 욕망을 희생해야 하는 요구 사항은 고전주의자들이 예술에 할당한 엄청난 교육적 역할에 의해 크게 설명됩니다.
고전주의는 프랑스에서 가장 완전한 형태를 얻었습니다 (Moliere의 코미디, La Fontaine의 우화, Corneille 및 Racine의 비극).
러시아 고전주의는 18세기 2분기에 발생했으며 피터 1세 개혁의 후계자의 특징인 교육 이데올로기(예: 계급을 뛰어넘는 사람의 가치에 대한 아이디어)와 관련이 있었습니다. 이미 초기부터 고전주의는 풍자적이고 비난적인 성향이 특징이었습니다. 러시아 고전주의자들에게 문학 작품은 그 자체로 목적이 아닙니다. 그것은 단지 인간 본성을 향상시키는 길일 뿐입니다. 게다가 더욱 주목을 받은 것은 러시아 고전주의였다. 국가적 특성그리고 민속 예술, 외국 샘플에만 집중하지 않고.
시적 장르는 송시, 우화, 풍자 등 러시아 고전주의 문학에서 큰 위치를 차지합니다. 다양한 측면러시아 고전주의는 M.V. G.R. I.A. 의 우화에서 Derzhavin. Krylov와 D.I. Fonvizina.
감상주의 (santimentas - 느낌에서) - 문학 운동 서유럽그리고 18세기 말부터 19세기 초까지의 러시아는 주요 미적 범주에 대한 감정의 상승을 특징으로 합니다. 감상주의는 고전주의의 합리성에 대한 일종의 반응이되었습니다. 감정 숭배는 더 많은 것을 초래했습니다. 전체 공개사람의 내면 세계, 영웅 이미지의 개별화. 그것은 또한 자연에 대한 새로운 태도를 불러일으켰습니다. 풍경은 단순히 행동 발전의 배경이 된 것이 아니라 작가나 등장인물의 개인적인 경험과 조화를 이루는 것으로 밝혀졌습니다. 세상에 대한 정서적 비전에는 다른 시적 장르(비가, 목회, 메시지)와 기타 어휘(감정으로 채색된 비유적 단어)가 필요했습니다. 이와 관련하여 작가 내레이터는 마치 독자가 이러한 감정을 공유하도록 초대하는 것처럼 캐릭터와 그들의 행동에 대한 "민감한"태도를 자유롭게 표현하면서 작품에서 큰 역할을 시작합니다 (원칙적으로 주요한 것은 "감동", 즉 연민, 연민 ).
러시아 감상주의의 미적 프로그램은 N.M.의 작품에 가장 완벽하게 반영됩니다. Karamzin (이야기 " 불쌍한 리사"). 러시아 감상주의와 교육 사상 사이의 연관성은 A.N. Radishchev (“상트페테르부르크에서 모스크바까지의 여행”).
낭만주의 - 창의적인 방법 18세기 후반부터 19세기 전반까지의 러시아와 유럽(미국은 물론) 문학의 예술적 방향. 낭만주의 이미지의 주요 주제는 사람, 개인입니다. 낭만적인 영웅은 무엇보다도 강하고 비범한 본성, 열정에 압도되고 창의적으로 인식할 수 있는(때로는 변화할 수 있는) 사람입니다. 세계. 낭만적인 영웅은 그의 배타성과 특이함으로 인해 사회와 양립할 수 없습니다. 그는 외롭고 가장 자주 갈등을 겪습니다. 일상 생활. 이 갈등에서 일종의 낭만적인 이중 세계가 탄생합니다. 즉, 숭고한 꿈의 세계와 지루하고 "날개 없는" 현실 사이의 대결입니다. 낭만주인공은 이 공간들의 '교차점'에 위치한다. 그러한 예외적인 캐릭터는 예외적인 상황에서만 행동할 수 있으므로 낭만적인 작품의 사건은 이국적이고 특이한 환경, 즉 독자에게 알려지지 않은 나라, 먼 곳에서 전개됩니다. 역사적 시대, 다른 세계에서는...
고전주의와 달리 낭만주의는 민족지학적인 목적뿐만 아니라 미적 목적을 위해 민속 시적 고대로 전환하여 국가 민속에서 영감의 원천을 찾습니다. 안에 낭만적인 일역사적, 국가적 색채, 역사적 세부 사항, 시대 배경이 자세하게 재현되어 있지만 이 모든 것은 사람의 내면 세계와 경험, 열망을 재현하기위한 일종의 장식에 불과합니다. 특별한 성격의 경험을보다 정확하게 전달하기 위해 낭만주의 작가들은 영웅 캐릭터의 특성을 독특하게 "굴절"하고 반영하는 자연을 배경으로 묘사했습니다. 바다, 눈보라, 뇌우 등 폭풍우가 치는 요소는 특히 낭만주의자들에게 매력적이었습니다. 영웅은 자연과 복잡한 관계를 맺고 있습니다. 한편으로는 자연 요소가 그의 열정적인 성격과 유사하지만, 낭만적인 영웅은 자신의 자유에 대한 제한을 인식하고 싶지 않고 요소와 씨름합니다. 목적으로서의 자유에 대한 열정적인 열망은 그 자체로 낭만적인 영웅의 주요한 것 중 하나가 되며 종종 그를 비극적인 죽음으로 이끈다.
V.A.는 전통적으로 러시아 낭만주의의 창시자로 간주됩니다. 주코프스키; 낭만주의는 M.Yu의시에서 가장 분명하게 나타났습니다. Lermontov, A.A. Fet과 A.K. 톨스토이; 그의 작업 중 특정 기간에 A.S.는 낭만주의에 경의를 표했습니다. 푸쉬킨, 네바다 고골, F.I. Tyutchev.
실재론 (현실에서 - 재료) - 19세기와 20세기 러시아 및 세계 문학의 창의적인 방법과 문학적 방향. "현실주의"라는 단어는 종종 다양한 개념(비판적 현실주의, 사회주의 현실주의, 심지어 "마법적 현실주의"라는 용어도 있음)을 설명하는 데 사용됩니다. 19~20세기 러시아 사실주의의 주요 특징을 강조해 보겠습니다.
사실주의는 예술적 역사주의의 원칙을 바탕으로 구축되었습니다. 그는 존재를 인정한다 객관적인 이유, 영웅의 성격에 영향을 미치고 그의 성격과 행동을 설명하는 데 도움이 되는 사회적, 역사적 패턴입니다. 이는 영웅이 자신의 행동과 경험에 대해 서로 다른 동기를 가질 수 있음을 의미합니다. 행동의 패턴과 성격과 상황의 인과관계는 현실심리학의 원리 중 하나이다. 예외적이고 비범한 낭만적인 성격 대신, 현실주의자들은 전형적인 인물, 즉 영웅의 특징(그의 성격의 모든 개인적 독특함에도 불구하고)이 특정 세대나 특정 사회 집단의 특정한 일반적인 특성을 반영하는 영웅을 이야기의 중심에 둡니다. . 현실주의 작가들은 고전 작품에서 흔히 볼 수 있듯이 영웅에 대한 명확한 평가를 피하고 영웅을 긍정적인 것과 부정적인 것으로 나누지 않습니다. 캐릭터의 캐릭터는 개발 과정에서 주어지며 객관적인 상황의 영향을 받아 영웅의 견해가 진화합니다 (예를 들어 L.N. Tolstoy의 소설 "전쟁과 평화"에서 Andrei Bolkonsky의 탐구 경로). 낭만주의자들에게 너무나 사랑받는 특이한 예외적 상황 대신, 사실주의는 사건 전개를 위한 배경을 선택합니다. 미술품평범한, 일상의 조건삶. 사실적인 작품은 갈등의 원인, 인간과 사회의 불완전성, 발전의 역학을 가장 완벽하게 묘사하려고 노력합니다.
러시아 문학에서 사실주의의 가장 유명한 대표자 : A.N. 오스트로프스키, I.S. Turgenev, I.A. 곤차로프, M.E. Saltykov-Shchedrin, L.N. 톨스토이, F.M. 도스토옙스키, A.P. 체호프.
사실주의와 낭만주의- 둘 다른 방법들현실에 대한 비전은 세계와 인간에 대한 다양한 개념을 기반으로합니다. 그러나 이러한 방법은 상호 배타적이지 않습니다. 사실주의의 많은 성취는 개인과 우주를 묘사하는 낭만적인 원칙의 창의적인 개발과 재고를 통해서만 가능해졌습니다. 러시아 문학에서는 많은 작품이 두 가지 묘사 방법을 결합합니다. 예를 들어 N.V. 고골 " 죽은 영혼"또는 M.A. Bulgakov "마스터와 마가리타".
모더니즘 (프랑스 모던에서 유래 - 최신, 현대) - 20세기 전반 문학에 나타난 새로운(비현실적인) 현상의 일반적인 이름입니다. 모더니즘 출현 시대는 제 1 차 세계 대전의 사건, 혁명적 정서의 고조로 표시되는 위기이자 전환점이었습니다. 다른 나라유럽, 한 세계 질서가 붕괴되고 다른 질서가 출현하는 상황에서 이념 투쟁이 심화되는 동안 철학과 문학은 특별한 의미를 얻었습니다. 이 역사적, 문학적 시기(특히 1890년에서 1917년 사이에 창작된 시)는 러시아 문학사에서 실버 에이지(Silver Age)라고 불렸습니다.
미적 프로그램의 다양성에도 불구하고 러시아 모더니즘은 하나로 통합되었습니다. 일반적인 작업: 새로 검색 예술적 수단새로운 현실의 이미지. 이러한 욕망은 상징주의, 미래주의, 절정주의, 이미지주의라는 네 가지 문학 운동에서 가장 일관되고 확실하게 실현되었습니다.
상징주의 - 19세기 90년대 초 러시아에서 나타난 문학 운동. 니체와 쇼펜하우어의 철학적 사상과 B.C. Solovyov는 "세계의 영혼"에 대해 이야기합니다. 전통적인 방식상징주의자들은 현실에 대한 지식을 창의성 과정에서 세계를 창조한다는 생각과 대조했습니다. 영감의 순간에 예술가에게 나타나는 최고의 현실을 기록할 수 있는 것은 예술이라고 생각합니다. 따라서 상징주의자를 이해하는 창의성, 즉 "비밀의 의미"에 대한 숙고는 시인 창작자만이 접근할 수 있습니다. 시적 연설의 가치는 절제된 표현, 말한 내용의 의미를 숨기는 데 있습니다. 방향의 이름에서 알 수 있듯이, 그 주요 역할은 상징에 부여됩니다. 이는 현재 일어나고 있는 일의 "잡힌"비밀 의미를 전달할 수 있는 주요 수단입니다. 상징은 새로운 문학 운동의 중심 미학적 범주가 됩니다.
상징주의자 사이에서는 "선배" 상징주의자와 "하위" 상징주의자를 구별하는 것이 전통적입니다. "고위" 상징주의자 중에서 가장 유명한 사람은 K.D. 발몽, V.Ya. 브리소프, F.K. Sologub. 이 시인들은 19세기 90년대에 자신과 새로운 문학적 방향을 선언했습니다. "젊은" 상징주의자 Vyach. Ivanov, A. Bely, A.A. Blok은 1900년대 초에 문학에 등장했습니다. "오래된" 상징주의자들은 주변의 현실을 부정하고 꿈과 창의성을 현실과 대조했습니다("퇴폐"라는 단어는 그러한 감정적, 이념적 입장을 정의하는 데 종종 사용됩니다). "젊은이"는 실제로 " 오래된 세계"유용함을 잃은 자는 멸망할 것이요 장차 올 자도 그러하리라" 새로운 세계“높은 정신성과 문화를 바탕으로 세워질 것입니다.
절정주의 (그리스어 akme에서 유래 - 개화하는 힘, 가장 높은 수준) - 상징주의의 미학과 삶에 대한 "명확한 견해"를 대조한 러시아 모더니즘 시의 문학 운동입니다. Acmeism의 다른 이름이 주변의 모든 것에 이름을 붙인 모든 사람 Adam의 성서적 조상을 따서 clarism (라틴어 clarus-clear)과 "Adamism"인 것은 이유가 없습니다. Acmeism의 지지자들은 러시아 상징주의의 미학과 시학을 개혁하려고 노력했으며 과도한 은유, 복잡성, 상징주의에 대한 일방적 열정을 버리고 "땅으로"라는 단어의 정확한 의미로 "복귀"할 것을 요구했습니다. 물질적 본성만이 실제적인 것으로 인식되었습니다. 그러나 Acmeists의 "세상적인"세계관은 본질적으로 전적으로 미학적이었습니다. Acmeist 시인은 일상적인 사물이나 자연 현상에 눈을 돌려 개별적인 '사물'을 시화하고 사회 정치적 주제를 포기하는 경향이 있습니다. “세계 문화에 대한 갈망” – 이것이 O.E.가 Acmeism을 정의한 방식입니다. 만델스탐.
Acmeism의 대표자는 N.S. Gumilev, A.A. 아크마토바, O.E. 만델스탐(Mandelstam)과 다른 사람들은 "시인의 작업장(Workshop of Poets)" 서클에 연합하여 Apollo 잡지를 중심으로 그룹화했습니다.
미래파 (라틴어 futurum-미래에서)-아방가르드 성격의 문학 운동. 러시아 미래학자(그들은 종종 스스로를 "Budetlyans"라고 불렀습니다)의 첫 번째 선언문에는 전통 문화를 단절하고 고전 예술 유산의 중요성을 재검토하라는 요청이 있었습니다: "Dump Pushkin, Dostoevsky, Tolstoy 등. 등등. 근대성의 증기선에서." 미래주의자들은 기존 부르주아 사회에 반대한다고 선언했으며 자신들의 예술을 통해 다가올 세계 혁명을 인식하고 예상하려고 노력했습니다. 미래주의자들은 기존 문학 장르의 파괴를 옹호하고 의도적으로 "축소된 영역" 어휘를 사용했으며 문학 장르의 창조를 촉구했습니다. 새로운 언어, 이는 단어 생성을 제한하지 않습니다. 미래주의 예술은 작품의 형태의 개선과 갱신을 전면에 내세운 반면, 내용은 배경으로 사라지거나 중요하지 않은 것으로 간주되었습니다.
러시아 미래주의는 독특한 예술 운동이 되었으며 “Gilea”(큐보 미래학자 V.V. Khlebnikov, V.V. Mayakovsky, D.D. Burlyuk 등), “Centrifuge”(N.N. Aseev, B.L. Pasternak 등), “Association”의 네 가지 주요 그룹과 연관되었습니다. Ego-Futurists”(I. Severyanin 및 기타), “시의 중이층”(R. Ivnev, V.G. Shershenevich 및 기타).
이미지즘 (영어 또는 프랑스어 이미지에서 - 이미지) - 이후 첫해에 러시아 문학에서 발생한 문학 운동 10월 혁명. 대부분의 '좌파' 이미지주의자들은 시의 주된 임무를 '이미지로 의미를 먹는 것'이라고 천명하고, 이미지의 내재적 가치의 길을 따라가며 일련의 은유를 엮었다. 이미지주의 이론가 중 한 명은 "시는... 이미지의 물결이다"라고 썼습니다. 실제로 많은 상상가들은 시에 대한 전체적인 인식과 분위기와 사고가 융합된 유기적 이미지에 끌렸습니다. 러시아 이미지주의의 대표자는 A.B. 마리엔고프, V.G. Shershenevich. 이론적으로나 실제적으로 이미지주의 선언의 범위를 훨씬 뛰어넘은 가장 재능 있는 시인은 S.A. 예세닌.
예술적 역사주의의 원칙에 기초한 창의적인 방법이 M.E.의 작업을 주도하고 있습니다. Saltykov-Shchedrin?
답: 사실주의.
18세기 2분기 러시아에서 발생한 문학 운동의 이름을 표시하며, 전통적으로 M.V.의 작품에 기인합니다. 로모노소프, D.I. Fonvizin과 G.R. Derzhavina.
답: 고전주의.
명명된 시 장르 중 감상주의 시 장르는 무엇입니까?
2) 발라드
3) 비가
4) 우화
답: 3.
V.A.는 러시아 문학에서 어떤 문학 운동의 창시자로 불립니까? 주코프스키?
답: 낭만주의.
객관적인 사회 역사적 패턴의 존재를 인식하는 문학 운동이 L.N. 톨스토이?
답: 사실주의.
19세기 30~40년대 러시아 문학에서 발생하고 사회정치적 관계가 불완전한 이유를 객관적으로 묘사하려는 문학 운동의 이름을 나타냅니다. M.E.의 작업이 속한 방향. Saltykov-Shchedrin.
답변: 현실주의/비판적 현실주의.
20세기 초 어느 문학 운동의 선언문에서 "오직 우리만이 우리 시대의 얼굴이다"라고 말하고 "푸쉬킨, 도스토예프스키, 톨스토이 등을 현대성의 기선에서 몰아내자"고 제안했습니까?
1) 상징주의
2) 절정주의
3) 미래주의
4) 이미지주의
그의 작업 초기 단계에서 A.A. Akhmatova는 문학 운동의 대표자 중 한 명으로 활동했습니다.
1) 절정주의 2) 상징주의 3) 미래주의 4) 사실주의
러시아 문학의 은시대는 문학, 특히 시가 발전한 시기이다.
1) 1917년 이후
2) 1905년부터 1917년까지
3) 19세기 후반
4) 1890년에서 1917년 사이
그의 시적 경력을 시작한 V.V. Mayakovsky는 적극적인 대표자 중 한 명으로 활동했습니다.
1) 절정주의
2) 상징주의
3) 미래주의
4) 사실주의
단계 중 하나에서 창의적인 길 S.A. Yesenin은 시인 그룹에 합류했습니다. 1) Acmeists
2) 상징주의자
3) 미래학자
4) 이미지 작가
러시아시 K.D. Balmont가 대표자 중 한 명으로 활동했습니다.
1) 절정주의
2) 상징주의
복잡한 목표
알다
- 예술적 표현의 일련의 원칙으로서의 예술적 방법의 개념;
- 창의성의 주요 이념적, 미적 경향으로서의 문학 운동의 범주;
- 문학 운동과 학교;
- 예술적 형식의 안정적인 요소 집합과 창의성의 내용, 스타일 형성 요소, 언어 및 언어의 문체로서의 예술적 스타일에 대한 정보, 역사적인 발전스타일 이론;
가능하다
작가의 작품 전체와 개별 작품 수준에서 문학을 분석합니다.
소유하다
- 이 문제의 용어 및 개념 장치;
- 개별 작가 작품의 문체적, 비유적, 방법론적 특성을 결정하는 기술.
예술적 방법
예술적 방법, 문학적 방향과 움직임, 예술적 스타일과 같은 문학 과정의 범주 간의 관계와 상호 관계를 명확하게 이해해야 합니다.
문학적 과정의 개념은 가장 일반적이며, 다양한 측면과 관련하여 문학의 다양한 측면을 특징짓는 모든 범주를 정의하는 출발점입니다.
예술적 방법삶의 비유적 반영을 위한 일련의 기본적인 창의적 원칙인 세상을 마스터하고 표시하는 방법입니다. 이 방법은 작가의 예술적 사고 구조라고 할 수 있으며, 이는 특정 미적 이상에 비추어 현실에 대한 접근 방식과 재구성을 결정합니다.
그 방법은 문학 작품의 내용에 구체화되어 있다. 이 방법을 통해 우리는 작가가 현실을 재현하는 덕분에 선택, 평가, 유형화 (일반화), 캐릭터의 예술적 구현, 역사적 굴절의 삶 현상 등 창의적인 원칙을 이해합니다.
이 방법은 문학 작품 영웅의 생각과 감정의 구조, 행동과 행동의 동기, 인물과 사건의 관계, 인물의 삶의 길과 운명의 일치에서 나타납니다. 시대의 사회 역사적 상황.
예술적 방법은 생활 자료의 선택, 평가, 원칙, 예술적 일반화 및 재검토의 일반적인 형태를 위한 원칙 시스템입니다. 이는 현실, 의식적 또는 자발적으로 반영된 요구, 이데올로기적 및 예술적 전통에 대한 예술가의 전체적인 이데올로기적, 평가적, 개별적으로 고유한 사회적 태도 등 복잡한 요소를 특징으로 합니다. 예술적 방법은 예술적 이미지의 특이성을 크게 결정합니다.
"예술적 스타일"의 개념은 "예술적 방법"의 개념과 밀접한 관련이 있습니다. 이 메소드는 스타일로 구현됩니다. 이 방법의 일반적인 속성은 작가의 스타일에 따라 국가적 역사적 특수성을 갖습니다.
"방법"(그리스어 - 연구 경로)의 개념은 "알 수 있는 현실, 즉 재창조에 대한 예술가의 창의적인 태도에 대한 일반적인 원칙"을 의미합니다. 이것은 서로 다른 역사적, 문학적 시대에 변화한 삶을 이해하는 일종의 방법입니다. 일부 과학자들에 따르면, 이 방법은 추세와 방향의 기초가 되며 특정 방향의 작품에 내재된 현실에 대한 미학적 탐구 방법을 나타냅니다. 방법은 미학적이며 매우 의미 있는 범주입니다. "작품의 이념적 구조와 이미지, 줄거리, 구성, 언어 구성 원리 모두에서 구현됩니다. 방법은 예술적 사고의 특성과 미적 이상에 따라 현실을 이해하고 재현하는 것입니다."
현실을 묘사하는 방법의 문제는 고대에 처음 인식되었으며, '모방이론'이라는 이름으로 아리스토텔레스의 작품 '시학'에 구체화되었습니다. 아리스토텔레스의 모방은 시의 기초이며, 그 목표는 세상을 실제 세계와 유사하게, 더 정확하게는 가능한 한 재현하는 것입니다. 이 이론의 권위는 낭만주의자들이 저자의 의지에 따라 현실을 재창조하는 다른 접근 방식(고대, 더 정확하게는 헬레니즘에 뿌리를 두고 있음)을 제안한 18세기 말까지 남아 있었습니다. "우주"의 법칙이 아닙니다. 지난 세기 중반 국내 문학 비평에 따르면이 두 가지 개념은 고전주의, 낭만주의, 다양한 유형의 "방법"의 틀 내에서 "현실적"과 "낭만적"이라는 두 가지 "창의성 유형"의 기초가됩니다. 사실주의와 모더니즘이 적합합니다. "방법"이라는 개념은 많은 문학 이론가와 작가들에 의해 사용되었다고 말해야 합니다: A. Watteau, D. Diderot, G. E. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge는 "On Method"(1818)라는 논문을 썼습니다.
모방 이론은 자연주의 발전의 기초가되었습니다. "테레즈 라캥(Thérèse Raquin)"을 작업하면서 E. Zola는 다음과 같이 썼습니다. "나는 세상의 모든 것을 잊어버렸고, 생명을 힘들게 복사하는 일에 몰두했으며 전적으로 인체 연구에 전념했습니다...". 종종 현실을 반영하는 이러한 방법의 특징은 작품 창작자가 이미지 주제에 완전히 의존하고 예술적 지식이 복사로 변한다는 것입니다. 또 다른 모델은 주관성의 자의성으로 이어질 수 있습니다. 예를 들어, F. Schiller는 현실("재료")을 재창조하는 예술가가 "... 자신에 대한 폭력이 일어나기 전에는 거의 멈추지 않습니다... 그가 처리하는 재료는 기계공만큼 존중하지 않습니다. 그는 단지 이 자료의 자유를 보호하는 눈의 명백한 유연성으로 속이려고 노력할 것입니다." 많은 연구에서 과학자들은 방법 개념에 창의성 유형, 예술적 사고 유형 개념을 추가할 것을 제안합니다. 동시에 두 가지 유형의 창의성, 즉 재창조와 재창조는 예술적 성찰 원칙의 전체 풍부함을 포괄합니다.
방법과 방향의 관계에 대한 문제에 있어서는 삶의 형상적 성찰의 일반적 원리인 방법이 역사적으로 특수한 현상으로서의 방향과 다르다는 점을 고려할 필요가 있다. 결과적으로 특정 방향이 역사적으로 독특하다면 문학 과정의 광범위한 범주로서 동일한 방법이 다양한 시대와 민족, 따라서 다양한 방향과 경향의 작가의 작품에서 반복될 수 있습니다. 예를 들어, 우리는 이미 고전주의, 감상주의 방향으로 현실을 반영하는 현실적 원리의 요소를 찾습니다. 확립된 사실주의가 나중에 모더니즘 작품에 침투하는 것처럼 사실주의 방법 자체가 출현하기 전에도 마찬가지입니다.
- 굴랴예프 N.A.문학이론. M., 1985. P. 174.
- 프랑스 현실주의자들의 문학적 선언문. L., 1935. P. 98.
- 쉴러 F.수집 작품 : 8 τ. T.6.M.; L., 1950. P. 296.
