la estructura de la obra, y en principio la construcción de la imagen, trama, composición, lenguaje. El método es la comprensión y reproducción de la realidad de acuerdo con las características del pensamiento artístico y del ideal estético”.
El problema del método de representación de la realidad fue reconocido por primera vez en la antigüedad y quedó plenamente plasmado en la obra "Poética" de Aristóteles bajo el nombre de "teoría de la imitación".
La imitación, según Aristóteles, es la base de la poesía y su objetivo es recrear el mundo similar al real, o, más precisamente, como podría ser. La autoridad de esta teoría se mantuvo hasta finales del siglo XVIII, cuando los románticos propusieron un enfoque diferente (que también tiene sus raíces en la antigüedad, más precisamente en el helenismo): la recreación de la realidad de acuerdo con la voluntad del autor. y no con las leyes del “universo”.
Estos dos conceptos, según la crítica literaria nacional de mediados del siglo pasado, subyacen a dos "tipos de creatividad": la "realista" y la "romántica", dentro de los cuales se encuentran los "métodos" del clasicismo, el romanticismo, diferentes tipos realismo, modernismo. Hay que decir que el concepto de "método" fue utilizado por muchos teóricos y escritores literarios: A. Watteau, D. Diderot, G. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge, quienes escribieron el tratado "Sobre el método" (1818).
La teoría de la imitación sirvió de base para el desarrollo del naturalismo. “Trabajando en Thérèse Raquin”, escribió E. Zola, “me olvidé de todo en el mundo, me sumergí en una copia minuciosa de la vida, dedicándome por completo al estudio. cuerpo humano..."64 A menudo, una característica de este método de reflejar la realidad es la completa dependencia del creador de la obra del tema de la imagen; el conocimiento artístico se convierte en copia.
Otro modelo puede conducir a la arbitrariedad de la subjetividad. Por ejemplo, F. Schiller argumentó que el artista, al recrear la realidad (“material”), “... se detiene poco ante la violencia contra él... El material que procesa, lo respeta tan poco como al mecánico; sólo intentará engañar con la aparente conformidad del ojo, que protege la libertad de este material”.
En varios trabajos, los científicos proponen complementar el concepto de método con el concepto de un tipo de creatividad, un tipo de pensamiento artístico. Al mismo tiempo, dos tipos de creatividad, recrear y recrear, cubren toda la riqueza de los principios de la reflexión artística.
Respecto al problema de la relación entre método y dirección, es necesario tener en cuenta que el método como principio general El reflejo figurativo de la vida difiere de la dirección como fenómeno históricamente específico.
En consecuencia, si esta o aquella dirección es históricamente única, entonces el mismo método, como categoría amplia del proceso literario, puede repetirse en las obras de escritores de diferentes épocas y pueblos y, por tanto, de diferentes direcciones y tendencias.
Por ejemplo, encontramos elementos del principio realista de reflejar la realidad ya en las direcciones del clasicismo y el sentimentalismo, es decir, incluso antes del surgimiento del método realista mismo, así como el realismo establecido penetra más tarde en las obras del modernismo.
Introducción a la crítica literaria (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin, etc.) / Ed. L. M. Krupchánov. -M, 2005
método artístico
Es necesario comprender claramente las relaciones e interrelaciones de categorías del proceso literario como método artístico, dirección y movimiento literario, Estilo de Arte .
El concepto de proceso literario es el más general, el inicial para definir todas las categorías que caracterizan lados diferentes literatura relacionada con sus diversos aspectos.
método artístico- esta es una forma de dominar y mostrar el mundo, un conjunto de principios creativos básicos para el reflejo figurativo de la vida. Se puede hablar de método como la estructura del pensamiento artístico del escritor, que determina su acercamiento a la realidad y su reconstrucción a la luz de un determinado ideal estético.
El método está plasmado en el contenido. trabajo literario. A través del método comprendemos aquellos principios creativos gracias a los cuales el escritor reproduce la realidad: selección, valoración, tipificación (generalización), encarnación artística de los personajes, fenómenos de la vida en la refracción histórica.
El método se manifiesta en la estructura de pensamientos y sentimientos de los héroes de una obra literaria, en las motivaciones de su comportamiento y acciones, en la relación de personajes y eventos, de acuerdo camino de la vida, el destino de los personajes y las circunstancias sociohistóricas de la época.
El método artístico es un sistema de principios para la selección del material de la vida, su evaluación, principios y formas predominantes de generalización y replanteamiento artístico. Caracteriza un complejo de factores: ideológico holístico, evaluativo, individualmente único, actitud social el artista a la realidad, a las necesidades reflejadas consciente o espontáneamente, a las tradiciones ideológicas y artísticas. El método artístico determina en gran medida la especificidad de la imagen artística.
El concepto de “estilo artístico” está estrechamente relacionado con el concepto de “método artístico”. El método se implementa en el estilo, es decir, las propiedades generales del método reciben su especificidad histórico-nacional en el estilo del escritor.
El concepto de "método" (del gr. - camino de la investigación) denota "el principio general de la actitud creativa del artista hacia la realidad cognoscible, es decir, su recreación". Se trata de un tipo de formas de entender la vida que cambiaron en distintas épocas históricas y literarias. Según algunos científicos, el método subyace a tendencias y direcciones, y representa ese método de exploración estética de la realidad inherente a las obras de una determinada dirección. El método es una categoría estética y profundamente significativa.
El problema del método de representación de la realidad fue reconocido por primera vez en la antigüedad y quedó plenamente plasmado en la obra "Poética" de Aristóteles bajo el nombre de "teoría de la imitación". La imitación, según Aristóteles, es la base de la poesía y su objetivo es recrear el mundo similar al real, o, más precisamente, como podría ser. La autoridad de esta teoría se mantuvo hasta finales del siglo XVIII, cuando los románticos propusieron un enfoque diferente (que también tiene sus raíces en la antigüedad, más precisamente en el helenismo): la recreación de la realidad de acuerdo con la voluntad del autor. y no con las leyes del “universo”. Estos dos conceptos, según la crítica literaria nacional de mediados del siglo pasado, subyacen a dos "tipos de creatividad": "realista" y "romántica", dentro de los cuales se encuentran los "métodos" del clasicismo, el romanticismo, diferentes tipos de realismo y encaja el modernismo. Hay que decir que el concepto de "método" fue utilizado por muchos teóricos y escritores literarios: A. Watteau, D. Diderot, G. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge, quienes escribieron el tratado "Sobre el método" (1818).
En varios trabajos, los científicos proponen complementar el concepto de método con el concepto de un tipo de creatividad, un tipo de pensamiento artístico. Al mismo tiempo, dos tipos de creatividad, recrear y recrear, cubren toda la riqueza de los principios de la reflexión artística.
En cuanto al problema de la relación entre método y dirección, es necesario tener en cuenta que el método como principio general de reflexión figurativa de la vida se diferencia de la dirección como fenómeno históricamente específico. En consecuencia, si esta o aquella dirección es históricamente única, entonces el mismo método, como categoría amplia del proceso literario, puede repetirse en las obras de escritores de diferentes épocas y pueblos y, por tanto, de diferentes direcciones y tendencias. Por ejemplo, encontramos elementos del principio realista de reflejar la realidad ya en las direcciones del clasicismo y el sentimentalismo, es decir, incluso antes del surgimiento del método realista mismo, así como el realismo establecido penetra más tarde en las obras del modernismo.
El método artístico (literalmente "methodos" del griego - el camino de la investigación) es un conjunto de los principios más generales del desarrollo estético de la realidad, que se repite constantemente en la obra de uno u otro grupo de escritores, formando una dirección. , tendencia o escuela. Existen dificultades objetivas para aislar el método. “El método artístico es una categoría estética y profundamente significativa. No se puede reducir a formas formales construcción de la imagen, ni a la ideología del escritor. Representa un conjunto de principios ideológicos y artísticos para representar la realidad a la luz de un determinado ideal estético. La cosmovisión entra orgánicamente en el método cuando se fusiona con el talento del artista, con su pensamiento poético, y no existe en la obra sólo como una tendencia sociopolítica” (N.A. Gulyaev). El método no es sólo un sistema de algunas opiniones, al menos las más estéticas. De manera muy convencional, podemos hablar de un método como una visión, pero no abstracta, inicial, sino que ya se ha encontrado en un determinado material de un arte determinado. Se trata de un pensamiento artístico o concepto artístico de estos fenómenos en relación con el concepto general de vida. El método es la categoría principalmente. creatividad artística, y por tanto la conciencia artística. El método es un método de reflexión implementado consistentemente, que presupone la unidad de la recreación artística del material de la realidad, realizada en la unidad de la visión imaginativa de la vida, subordinada a los objetivos de revelar y comprender las tendencias principales de la vida del escritor. vida contemporánea y la encarnación de sus ideales sociales.
La categoría de método está relacionada con la categoría de tipo de creatividad, por un lado, y la categoría de estilo, por el otro. Ya en el siglo V a.C. mi. Sófocles esbozó aforísticamente dos tipos opuestos de pensamiento artístico: "Él (Eurípides) describe a las personas como realmente son y a mí como deberían ser". Bajo estilo Por lo general, se entiende como la singularidad individual de la escritura creativa, el conjunto de técnicas preferidas, la unidad de los rasgos individuales y típicos de la creatividad común a muchos individuos. Los factores formadores de estilo más activos en la estructura artística de una obra se relacionan con el plano de expresión. Pero al mismo tiempo, el estilo es también “una unidad completa y directamente percibida de diferentes aspectos y elementos de una obra, correspondiente al contenido expresado en ella” (G.N. Pospelov). La diferencia entre el estilo y otras categorías de poética, en particular del método artístico, está en su implementación concreta inmediata: los rasgos estilísticos parecen aparecer en la superficie de la obra como una unidad visible y tangible de todos los aspectos principales de la forma artística. .
El estilo “absorbe en sí mismo el contenido y la forma del arte sin dejar rastro, une y guía todo en una obra, desde la palabra hasta el pensamiento central” (Benedetto Croce). El enfoque lingüístico del estilo supone que el principal objeto de estudio es el lenguaje, el lenguaje como primera y claramente distinguible apariencia y materialidad de una obra literaria. Esto significa que las leyes lingüísticas internas pasan a primer plano. El estilo, el tejido artístico se considera como una combinación de diferentes estilos que existen además de él en el lenguaje y los predeterminados: clerical-burocrático, epistolar, arcaico, empresarial, estilo de presentación científica, etc. Pero este enfoque no explica el cambio de estilos literarios. Además, el estilo de una obra de arte no puede reducirse a una combinación mecánica. El estilo es una comunidad estable de sistema figurativo, medio de expresión artística, que caracteriza la originalidad de la obra de un escritor, una obra separada, un movimiento literario o la literatura nacional. El estilo en un sentido amplio es un principio transversal de construir una forma artística, dando a la obra una integridad tangible, un tono y color uniformes.
¿Cuáles son los mecanismos de formación de estilos? D.S. Likhachev parte de esto (“El hombre en la literatura La antigua Rusia"), ese estilo artístico combina tanto la percepción general de la realidad característica del escritor como el método artístico del escritor, determinado por las tareas que se propone. Es decir, el estilo no es lo que el escritor eligió en su obra, sino cómo lo expresó, desde qué ángulo.
Es imposible explicar el estilo sin considerar su conexión con el método artístico. El concepto de método artístico expresa el hecho de que la realidad histórica determina no sólo el contenido del arte, sino también sus leyes estéticas más íntimas. El método creativo resume estéticamente la actitud práctica de las personas hacia sus tareas históricas y su comprensión de la vida, y crea esa relación especial entre ideales y realidad que determina la estructura de las imágenes artísticas. Así, la visión mitológica de la naturaleza y las relaciones sociales subyace a la fantasía y al arte griegos. El método creativo del arte clásico exigía que el artista adivinara lo perfecto en lo imperfecto, para mostrar realizada toda la plenitud armoniosa de las posibilidades del espíritu humano. El método creativo del arte clásico indicaba al artista un ángulo más o menos constante de elevación obligatoria de la imagen sobre la realidad, una dirección más o menos establecida en la expresión artística de un fenómeno de la vida. Así, dio el inicio del estilo. La relación entre ideal y realidad inherente al arte clásico resultó ser la clave para comprender el estilo clásico con su claridad y transparencia, normatividad, belleza, orden estricto, con su inherente equilibrio armonioso de las partes y la paz de la integridad interna, la conexión obvia. de forma y función, la primordial importancia del ritmo, con su ingenuo laconismo y su asombroso sentido de la proporción.
El estilo es un patrón en la construcción, conexión y similitud de formas, que permite que estas formas expresen no sólo el contenido particular de una obra determinada, sino también reproducir la forma más signos generales La relación del hombre con la naturaleza y la sociedad. El estilo es el carácter general de la expresión. diversas formas. El estilo es una conexión de formas que revela la unidad del contenido artístico (estilo gótico, estilo barroco, estilo falso clásico, estilo rococó, etc.). Hay grandes estilos, los llamados estilos de la época (renacentista, barroco, clasicismo), estilos de diversas direcciones y movimientos, y estilos individuales de artistas.
El estilo era un palo de escribir puntiagudo con una bola en el otro extremo, que se usaba para borrar lo escrito. De ahí el eslogan: "¡Cambia tu estilo más a menudo!"
“El estilo es una persona” (J. Buffon).
“El estilo embalsama una obra literaria” (A. Daudet).
“El estilo puede definirse de la siguiente manera: las palabras apropiadas en el lugar apropiado” (J. Swift).
“El estilo es la cara de la mente, menos engañosa que la cara real. Imitar el estilo de otra persona es como llevar una máscara. La pomposidad del estilo es como hacer una mueca” (A. Schopenhauer).
La propia relación entre método y estilo resulta ser diferente según el etapas diferentes desarrollo artístico. Como regla general, en los primeros períodos del desarrollo del arte, el estilo era unificado, integral, estrictamente subordinado a normas religiosas y dogmáticas; con el desarrollo de la sensibilidad estética, surgió la necesidad de que cada época tuviera un estilo singular (el estilo de la época, el código estético de la cultura) se debilita notablemente.
En el arte prerrealista observamos el predominio de un estilo general, y en el arte realista observamos el predominio de estilos individuales. En el primer caso, el método parece fusionarse con un determinado estilo, y en el segundo, cuanto más abundantes y diferentes son los estilos que crecen sobre su base, más plenamente se implementa. En el primer caso, el método aporta uniformidad; en el segundo, variedad de estilos. El predominio del estilo general corresponde al contenido artístico relativamente simple. EN sociedad antigua Las relaciones entre las personas siguen siendo claras y transparentes. Los mismos motivos y temas mitológicos se repiten en todo tipo de arte. El alcance del contenido artístico sigue siendo bastante limitado. La diferencia de puntos de vista personales encaja dentro de los límites de una única tradición estética. Todo ello conduce a la unificación de contenidos artísticos, lo que determinó la formación de un estilo común.
El predominio de un estilo general está decisivamente relacionado con el predominio de la idealización como método de generalización artística y el predominio de estilos individuales con la tipificación. La idealización conecta más fácilmente fenómenos heterogéneos en un solo estilo. En el arte clásico la forma es inevitablemente más coherente, rígida y estable que en una imagen realista. El estilo general subordina la individualidad del artista. Sólo aquellos talentos personales que cumplen con los requisitos del estilo general tienen alcance y pueden desarrollarse. Así, al discutir el estilo general de la literatura rusa antigua, D.S. Likhachev escribe que los rasgos del colectivismo popular todavía están vivos en la literatura rusa antigua. Esta es una literatura en la que el elemento personal está silenciado. Muchas obras incorporan obras anteriores y siguen tradiciones de etiqueta literaria creadas por varios autores, que posteriormente fueron corregidas y complementadas mediante correspondencia. Gracias a esta característica, la literatura de la antigua Rusia contiene un principio épico monumental. Esta monumentalidad se ve reforzada por el hecho de que las obras en la antigua Rusia están dedicadas principalmente a temas historicos. Contienen menos ficción, imaginaria, diseñada para el entretenimiento y el entretenimiento. La seriedad de esta literatura se debe también a que sus principales obras son cívicas en el más alto sentido de la palabra. Los autores perciben sus escritos como un servicio a la Patria. Cuanto más elevados eran los ideales de los autores rusos antiguos, más difícil les resultaba aceptar las deficiencias de la realidad (monumentalismo histórico).
En el clasicismo de los siglos XVII-XVIII, la obligatoriedad del estilo general está respaldada por la autoridad establecida e indiscutible de la antigüedad, el reconocimiento del significado decisivo de sus imágenes artísticas como objetos de imitación. El autoritarismo religioso-mitológico es reemplazado por el autoritarismo estético (reglas). Es necesario considerar si una obra determinada pertenece al estilo general y luego descubrir aquellas modificaciones, enriquecimientos e innovaciones que dependen del estilo individual. El estilo general subyuga al artista y determina su gusto estético. El realismo cambia el tipo mismo de gusto estético e incluye su capacidad de desarrollarse de forma natural. El método realista está asociado a una nueva era en la que las relaciones entre las personas adquieren un aspecto extremadamente confuso.
En la era capitalista se desarrolla un complejo mecanismo de relaciones sociales, políticas e ideológicas, las cosas se personifican, las personas se cosifican. Las capacidades cognitivas del arte se están expandiendo. El análisis está profundamente arraigado en la descripción, el alcance del contenido artístico se amplía y se abre un área enorme de la prosa de la vida. El artista ya no trabaja con el proceso de la vida, que anteriormente fue reelaborado por la fantasía popular e incluía una evaluación colectiva de los fenómenos de la realidad. A partir de ahora, deberá encontrar de forma independiente una imagen de la realidad. Gracias a esto, incluso un pequeño cambio en el ángulo de visión, en la posición del observador, es suficiente para que el contenido artístico cambie dramática y significativamente. Anteriormente, este cambio condujo a la formación de matices personales dentro de los límites de un solo estilo, ahora se ha convertido en la base para el surgimiento de estilos individuales. De gran importancia es la diversidad de valoraciones, aspectos, visiones, enfoques y grados de actividad histórica entre los artistas. Actitud individual ante la realidad y formas individuales de expresión.
– Selección
Dirección de Arte – Calificación
– Generalización
– Encarnación artística
Clasicismo– estilo artístico y dirección estética en la literatura europea en el arte del siglo XVII – principios. Siglo XVIII, una de cuyas características importantes fue la apelación a las imágenes y formas de la literatura y el arte antiguos como estándar estético ideal. Como sistema artístico integral, el clasicismo se formó en Francia durante el período de fortalecimiento y florecimiento del absolutismo. El clasicismo recibe una expresión sistemática completa en “El arte poético” (1674) de N. Boileau, quien resume la experiencia artística de la literatura francesa del siglo XVII. La estética del clasicismo se basa en los principios del racionalismo, correspondientes a las ideas filosóficas del cartesianismo. Afirman la visión de una obra de arte como una creación artificial: creada conscientemente, organizada inteligentemente y construida lógicamente. Habiendo propuesto el principio de "imitación de la naturaleza", los clasicistas consideran que su condición indispensable es el estricto cumplimiento de las reglas inquebrantables del arte que se derivan de la poética antigua (Aristóteles, Horacio) y determinan las leyes de la forma artística, transformando la vida. material en una obra de arte hermosa, lógicamente armoniosa y clara.
La transformación artística de la naturaleza, la transformación de la naturaleza en bella y ennoblecida es al mismo tiempo un acto de su más alto conocimiento: el arte está llamado a revelar el modelo ideal del universo, a menudo oculto detrás del caos externo y el desorden de la realidad. La mente, al comprender el patrón ideal, actúa como un principio "arrogante" en relación con las características individuales y la diversidad viviente de la vida. La imagen clasicista gravita hacia el modelo, es un espejo especial, donde el individuo se convierte en genérico, lo temporal en eterno, lo real en ideal, la historia en mito, es el triunfo de la razón y el orden sobre el caos y empíricos fluidos de la vida. Esto también correspondía a la función social y educativa del arte, a la que la estética del clasicismo concedía gran importancia.
La estética del clasicismo establece una estricta jerarquía de géneros, que se dividen en "altos" (tragedia, epopeya, oda, su ámbito es la vida pública, acontecimientos históricos, mitos, sus héroes: monarcas, generales, personajes mitológicos, devotos religiosos) y “bajo” (comedia, sátira, fábula), que describe la vida cotidiana privada de las personas de clase media. Cada género tiene límites estrictos y características formales claras; no se permite mezclar lo sublime y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo heroico y lo ordinario. El género principal del clasicismo fue la tragedia, dirigida a los problemas sociales y morales más importantes del siglo. Los conflictos sociales aparecen en él reflejados en el alma de los héroes, ante la necesidad de elegir entre el deber moral y las pasiones personales. En esta colisión surgió una polarización de la existencia humana pública y privada, que también determinó la estructura de la imagen.
Romanticismo – una de las tendencias más importantes de la literatura europea y americana de finales del siglo XVIII mitad del siglo XIX siglos, ganando importancia y distribución mundial. El romanticismo fue el punto más alto del movimiento anti-Ilustración. Sus principales prerrequisitos socioideológicos son la decepción por los resultados de la Gran Revolución Francesa y por la civilización burguesa en general. El rechazo del estilo de vida burgués, la protesta contra la vulgaridad y la prosaicidad, la falta de espiritualidad y el egoísmo de las relaciones burguesas, que encontraron su expresión inicial en el sentimentalismo y el prerromanticismo, adquirieron una intensidad particular entre los románticos. La realidad de la historia resultó estar más allá del control de la “razón”, irracional, lleno de secretos y contingencias, y el orden mundial moderno es hostil a la naturaleza humana y su libertad personal.
Incredulidad en lo social, industrial, político y progreso cientifico, que trajo nuevos contrastes y antagonismos, así como "fragmentación", nivelación y devastación espiritual del individuo, decepción en la sociedad, que fue presagiada, justificada y predicada por las mejores mentes (como las más "naturales" y "razonables") de Europa, creció gradualmente hacia el pesimismo cósmico. Al adquirir un carácter universal, universal, estuvo acompañado de estados de ánimo de desesperanza, desesperación, “dolor mundial” (“la enfermedad del siglo”, inherente a los héroes de Chateaubriand, Musset, Byron). El tema del "mundo terrible" "que yace en el mal" (con su poder ciego de las relaciones materiales, la irracionalidad de los destinos, la melancolía de la eterna monotonía de la vida cotidiana) ha pasado por toda la historia de la literatura romántica, encarnado más claramente. en el “drama del rock”, en las obras de J. Byron, E. Hoffmann, E. Poe y otros. Al mismo tiempo, el romanticismo se caracteriza por un sentido de pertenencia a un mundo que se renueva y se desarrolla rápidamente, la inclusión en el flujo de la vida, en el proceso histórico mundial, un sentimiento de riqueza oculta y posibilidades ilimitadas de existencia. El "entusiasmo", basado en la fe en la omnipotencia del espíritu humano libre, una sed apasionada y omnipresente de renovación es uno de los rasgos característicos de la cosmovisión romántica (ver la obra de N.Ya. Berkovsky "Romanticismo en Alemania" sobre esto, págs. 25-26).
La profundidad y universalidad de la decepción en la realidad, en las posibilidades de la civilización y el progreso es el polo opuesto al anhelo romántico de lo “infinito”, de ideales absolutos y universales. Los románticos no soñaban con una mejora parcial de la vida, sino con una resolución holística de todas sus contradicciones. La discordia entre ideal y realidad, característica de movimientos anteriores, adquiere extraordinaria agudeza e intensidad en el romanticismo, que es la esencia del llamado romántico. dos mundos. Rechazando la vida cotidiana de la sociedad civilizada moderna por considerarla incolora y prosaica, los románticos lucharon por todo lo inusual. Se sintieron atraídos por la fantasía, las leyendas populares, el arte popular, épocas históricas pasadas, imágenes exóticas de la naturaleza, la vida, la forma de vida y las costumbres de países y pueblos lejanos. Contrastaban la práctica material básica con las pasiones sublimes (el concepto romántico del amor) y la vida del espíritu, cuyas manifestaciones más elevadas para los románticos eran el arte, la religión y la filosofía.
Los románticos descubrieron la extraordinaria complejidad, profundidad y antinomia del mundo espiritual humano, la infinidad interior de la individualidad humana. Para ellos, el hombre es un pequeño universo, un microcosmos. Un interés intenso por los sentimientos fuertes y vívidos, por los movimientos secretos del alma, por su lado "nocturno", el anhelo por lo intuitivo y lo inconsciente son las características esenciales de la cosmovisión romántica. Igualmente característico de los románticos es la defensa de la libertad, la soberanía, la autoestima del individuo, una mayor atención al individuo, lo único en el hombre y el culto al individuo. Una apología del individuo sirvió, por así decirlo, como autodefensa contra el avance despiadado de la historia y la creciente nivelación del hombre mismo en la sociedad burguesa.
La exigencia del historicismo y del arte popular (principalmente en el sentido de recrear fielmente el color del lugar y el tiempo) es uno de los logros duraderos de la teoría romántica del arte. La infinita variedad de características locales, de época, nacionales, históricas e individuales tenía un cierto significado filosófico a los ojos de los románticos: era el descubrimiento de la riqueza de un único mundo: el universo. En el campo de la estética, el romanticismo opuso la “imitación de la naturaleza” clasicista a la actividad creativa del artista con su derecho a transformar el mundo real: el artista crea su propio mundo especial, más bello y verdadero, y por tanto más real que el empírico. realidad, ya que el arte mismo es la realidad más elevada. Los románticos defendieron ferozmente la libertad creativa de los artistas y rechazaron la normatividad en la estética, lo que, sin embargo, no excluía la creación de sus propios cánones románticos.
Desde el punto de vista de los principios de la representación artística, los románticos gravitaron hacia la fantasía, lo grotesco satírico, la convencionalidad demostrativa de la forma, la fragmentación, la fragmentación, la composición máxima; mezclaron audazmente lo ordinario y lo inusual, lo trágico y lo cómico.
Realismo, una dirección artística en el arte, tras la cual el artista representa la vida en imágenes que corresponden a la esencia de los fenómenos de la vida misma y se crean a través de la tipificación de los hechos de la realidad. Al afirmar la importancia del realismo como medio para que una persona se comprenda a sí misma y al mundo que la rodea, el realismo se esfuerza por lograr una comprensión profunda de la vida, una amplia cobertura de la realidad con sus contradicciones inherentes y reconoce el derecho del artista a iluminar todos los aspectos de vida sin restricciones. El arte del realismo muestra la interacción del hombre con el medio ambiente, el impacto de las condiciones sociales en el destino humano, la influencia de las circunstancias sociales en el mundo moral y espiritual de las personas. En un sentido amplio, la categoría de realismo sirve para determinar la relación de las obras literarias con la realidad, independientemente de la afiliación del escritor a un movimiento u otro. Los orígenes del realismo en Rusia fueron I.A. Krylov, A.S. Griboédov, A.S. Pushkin (en la literatura occidental, el realismo apareció algo más tarde; sus primeros representantes fueron Stendhal y Balzac).
Principales rasgos del realismo. 1. El principio de la verdad de la vida, que guía al artista realista en su obra, esforzándose por dar el reflejo más completo de la vida en sus propiedades típicas. La fidelidad de la imagen de la realidad, reproducida en las formas de la vida misma, es el principal criterio del arte. 2. Análisis social, historicismo del pensamiento. Es el realismo el que explica los fenómenos de la vida, establece sus causas y consecuencias sobre una base sociohistórica. En otras palabras, el realismo es impensable sin el historicismo, que presupone la comprensión de un fenómeno determinado en su condicionalidad, desarrollo y conexión con otros fenómenos. El historicismo es la base de la cosmovisión y el método artístico de un escritor realista, una especie de clave para comprender la realidad, que permite conectar el pasado, el presente y el futuro. En el pasado, el artista busca respuestas a preguntas acuciantes de nuestro tiempo e interpreta la modernidad como resultado de un desarrollo histórico previo. En la literatura realista, el mundo interior y el comportamiento de los personajes suelen llevar el sello indeleble del tiempo. El escritor a menudo muestra la dependencia directa de sus ideas sociales, morales y religiosas de las condiciones de existencia en una sociedad determinada y presta gran atención al trasfondo social y cotidiano de la época. Al mismo tiempo, en el arte realista maduro, las circunstancias se representan sólo como un requisito previo necesario para revelar el mundo espiritual de las personas. 3. Retrato crítico de la vida. Los escritores muestran profunda y sinceramente los fenómenos negativos de la realidad y se centran en exponerlos. Pero al mismo tiempo, el realismo no está exento de patetismo que afirma la vida, porque se basa en ideales positivos: simpatía por las masas, búsqueda de héroe positivo en la vida, la fe en las inagotables posibilidades del hombre. 4. La representación de personajes típicos en circunstancias típicas, es decir, los personajes se representan en estrecha conexión con el entorno social que los crió y formó en determinadas condiciones sociohistóricas. 5. La relación entre el individuo y la sociedad es el principal problema que plantea la literatura realista. El dramatismo de estas relaciones es importante para el realismo. Como regla general, el foco de las obras realistas está en individuos extraordinarios, insatisfechos con la vida, que rompen con su entorno, pero esto no significa que los realistas no estén interesados en personas invisibles, fusionándose con su entorno, representantes de las masas (el tipo del hombrecito de Gogol y Chéjov). 6. La versatilidad de los personajes de los personajes: sus acciones, hechos, discursos, estilo de vida y mundo interior, la "dialéctica del alma", que se revela en los detalles psicológicos de sus experiencias emocionales. Así, el realismo amplía las posibilidades de los escritores en la exploración creativa del mundo, en la creación de una estructura de personalidad contradictoria y compleja como resultado de una penetración sutil en las profundidades de la psique humana. 7. Expresividad, brillo, imaginería, precisión de la lengua literaria rusa, enriquecida con elementos del habla coloquial que los escritores realistas extraen del lenguaje común. 8. Una variedad de géneros (épico, lira-épico, dramático, satírico). 9. El reflejo de la realidad no excluye la ficción y la fantasía, aunque estos medios artísticos no determinan el tono principal de la obra.
método artístico - este es el principio (método) de selección de los fenómenos de la realidad, las características de su evaluación y la originalidad de su encarnación artística; es decir, el método es una categoría relacionada tanto con el contenido como con la forma artística. Determinar la originalidad de tal o cual método sólo es posible considerando las tendencias históricas generales en el desarrollo del arte. En diferentes períodos del desarrollo de la literatura, podemos observar que diferentes escritores o poetas se guían por los mismos principios de comprensión y representación de la realidad. En otras palabras, el método es universal y no está directamente relacionado con condiciones históricas específicas: estamos hablando del método realista y en relación con la comedia de A.S. Griboyedov, y en relación con el trabajo de F.M. Dostoievski, y en relación con la prosa de M.A. Sholojov. Y los rasgos del método romántico se revelan tanto en la poesía de V.A. Zhukovsky y en las historias de A.S. Verdea. Sin embargo, hay períodos en la historia de la literatura en los que uno u otro método se vuelve dominante y adquiere características más específicas asociadas a las características de la época y las tendencias culturales. Y en este caso ya estamos hablando de dirección literaria . Las direcciones en una amplia variedad de formas y relaciones pueden aparecer en cualquier método. Por ejemplo, L.N. Tolstoi y Gorki son realistas. Pero sólo determinando a qué dirección pertenece la obra de tal o cual escritor podremos comprender las diferencias y características de sus sistemas artísticos.
movimiento literario - manifestación de unidad ideológica y temática, homogeneidad de tramas, personajes, lenguaje en las obras de varios escritores de una época. A menudo los propios escritores son conscientes de esta afinidad y la expresan en los llamados “manifiestos literarios”, declarándose grupo o escuela literaria y dándose un nombre determinado.
Clasicismo (del latín classicus - muestra) - un movimiento que surgió en el arte y la literatura europeos del siglo XVII, basado en el culto a la razón y la idea de la naturaleza absoluta (independiente del tiempo y la nacionalidad) del ideal estético. De ahí que la principal tarea del arte sea la mayor aproximación posible a este ideal, que recibió su expresión más completa en la antigüedad. Por tanto, el principio de “trabajar según un modelo” es uno de los principios fundamentales de la estética del clasicismo.
La estética del clasicismo es normativa; La inspiración “desorganizada y obstinada” se opuso a la disciplina, el estricto cumplimiento de las reglas establecidas de una vez por todas. Por ejemplo, la regla de las “tres unidades” en el drama: unidad de acción, unidad de tiempo y unidad de lugar. O la regla de la “pureza de género”: la pertenencia de una obra a un género “alto” (tragedia, oda, etc.) o “bajo” (comedia, fábula, etc.) determinaba su temática, los tipos de personajes, e incluso el desarrollo de la trama y el estilo. La oposición del deber al sentimiento, de lo racional a lo emocional, la exigencia de sacrificar siempre los deseos personales por el bien público, se explica en gran medida por el enorme papel educativo que los clasicistas asignaron al arte.
El clasicismo recibió su forma más completa en Francia (las comedias de Moliere, las fábulas de La Fontaine, las tragedias de Corneille y Racine).
El clasicismo ruso surgió en el segundo cuarto del siglo XVIII y se asoció con la ideología educativa (por ejemplo, la idea del valor de una persona más allá de la clase), característica de los sucesores de las reformas de Pedro I. Ruso. El clasicismo, ya en sus inicios, se caracterizó por una orientación satírica y acusatoria. Para los clasicistas rusos, una obra literaria no es un fin en sí misma: es sólo un camino hacia la mejora de la naturaleza humana. Además, fue el clasicismo ruso el que prestó más atención. características nacionales Y arte popular, sin centrarse exclusivamente en muestras extranjeras.
Los géneros poéticos ocupan un lugar importante en la literatura del clasicismo ruso: odas, fábulas, sátiras. Varios aspectos El clasicismo ruso se reflejó en las odas de M.V. Lomonosov (alto patetismo cívico, temas científicos y filosóficos, orientación patriótica), en la poesía de G.R. Derzhavin, en las fábulas de I.A. Krylov y en las comedias de D.I. Fonvizina.
Sentimentalismo (de santimentas - sentimiento) - un movimiento literario en Europa Oriental y Rusia a finales del siglo XVIII y principios del XIX, caracterizada por la elevación del sentimiento a la principal categoría estética. El sentimentalismo se convirtió en una especie de reacción a la racionalidad del clasicismo. El culto al sentimiento llevó a más la divulgación completa el mundo interior de una persona, hasta la individualización de imágenes de héroes. También dio lugar a una nueva actitud hacia la naturaleza: el paisaje se convirtió no solo en un telón de fondo para el desarrollo de la acción, sino que resultó estar en sintonía con las experiencias personales del autor o de los personajes. La visión emocional del mundo requería otros géneros poéticos (elegía, pastoral, mensaje) y otro vocabulario: palabras figurativas, teñidas de sentimiento. En este sentido, el autor-narrador comienza a desempeñar un papel importante en la obra, expresando libremente su actitud “sensible” hacia los personajes y sus acciones, como si invitara al lector a compartir estas emociones (por regla general, la principal es “conmoción”, es decir, lástima, compasión).
El programa estético del sentimentalismo ruso se refleja más plenamente en las obras de N.M. Karamzin (historia " pobre lisa"). La conexión entre el sentimentalismo ruso y las ideas educativas se puede ver en las obras de A.N. Radishchev (“Viaje de San Petersburgo a Moscú”).
Romanticismo - método creativo y dirección artística en la literatura rusa y europea (así como estadounidense) de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX. El tema principal de la imagen en el romanticismo es la persona, el individuo. Un héroe romántico es, ante todo, una naturaleza fuerte y extraordinaria, una persona abrumada por las pasiones y capaz de percibir creativamente (y a veces transformar) el mundo. El héroe romántico, debido a su exclusividad y singularidad, es incompatible con la sociedad: se siente solo y, con mayor frecuencia, está en conflicto con la vida cotidiana. De este conflicto nace una especie de mundo dual romántico: la confrontación entre el mundo sublime de los sueños y la realidad aburrida y “sin alas”. El héroe romántico se ubica en el “punto de intersección” de estos espacios. Un personaje tan excepcional sólo puede actuar en circunstancias excepcionales, por lo que los acontecimientos de las obras románticas se desarrollan en un entorno exótico e inusual: en países desconocidos para los lectores, en lugares lejanos. eras historicas, en otros mundos...
A diferencia del clasicismo, el romanticismo recurre a la antigüedad poética popular no solo con fines etnográficos, sino también estéticos, encontrando una fuente de inspiración en el folclore nacional. EN trabajo romantico El colorido histórico y nacional, los detalles históricos y el trasfondo de la época se reproducen en detalle, pero todo esto se convierte en sólo una especie de decoración para recrear el mundo interior de una persona, sus experiencias y aspiraciones. Para transmitir con mayor precisión las experiencias de una personalidad extraordinaria, los escritores románticos las representaron en el contexto de la naturaleza, que "refractaba" y reflejaba de manera única las características del carácter del héroe. Los elementos tormentosos (el mar, una ventisca, una tormenta eléctrica) resultaban especialmente atractivos para los románticos. El héroe tiene una relación compleja con la naturaleza: por un lado, los elementos naturales son similares a su carácter apasionado, por otro lado, el héroe romántico lucha con los elementos, sin querer reconocer ninguna restricción a su propia libertad. El deseo apasionado de libertad como fin en sí mismo se convierte en una de las principales cosas del héroe romántico y, a menudo, lo lleva a una muerte trágica.
A V.A. se le considera tradicionalmente el fundador del romanticismo ruso. Zhukovski; El romanticismo se manifestó más claramente en la poesía de M.Yu. Lermontov, en las obras de A.A. Fet y A.K. Tolstoi; En un determinado período de su obra, A.S. rindió homenaje al romanticismo. Pushkin, NV. Gógol, F.I. Tiutchev.
Realismo (de realis - material): un método creativo y dirección literaria en la literatura rusa y mundial de los siglos XIX y XX. La palabra “realismo” se utiliza a menudo para describir diferentes conceptos (realismo crítico, realismo socialista; incluso existe el término “realismo mágico”). Intentemos resaltar las principales características del realismo ruso de los siglos XIX y XX.
El realismo se basa en los principios del historicismo artístico, es decir. él reconoce la existencia razones objetivas Patrones sociales e históricos que influyen en la personalidad del héroe y ayudan a explicar su carácter y sus acciones. Esto significa que el héroe puede tener diferentes motivaciones para sus acciones y experiencias. El patrón de acciones y la relación causa-efecto entre la personalidad y las circunstancias es uno de los principios del psicologismo realista. En lugar de una personalidad romántica excepcional y extraordinaria, los realistas colocan en el centro de la narrativa a un personaje típico: un héroe, cuyos rasgos (a pesar de la singularidad individual de su personaje) reflejan ciertas características generales de una determinada generación o de un determinado grupo social. . Los autores realistas evitan una valoración inequívoca de los héroes y no los dividen en positivos y negativos, como suele ocurrir en las obras clásicas. Los personajes de los personajes se dan en desarrollo; bajo la influencia de circunstancias objetivas, las opiniones de los héroes evolucionan (por ejemplo, el camino de la búsqueda de Andrei Bolkonsky en la novela "Guerra y paz" de L.N. Tolstoi). En lugar de circunstancias excepcionales e inusuales, tan queridas por los románticos, el realismo elige el escenario para el desarrollo de los acontecimientos. obra de arte común, condiciones cotidianas vida. Las obras realistas se esfuerzan por representar de la manera más completa las causas de los conflictos, la imperfección del hombre y la sociedad y la dinámica de su desarrollo.
Los representantes más destacados del realismo en la literatura rusa: A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev, I.A. Goncharov, M.E. Saltykov-Shchedrin, L.N. Tolstoi, F.M. Dostoievski, A.P. Chéjov.
Realismo y romanticismo- dos diferentes caminos visiones de la realidad, se basan en diferentes concepciones del mundo y del hombre. Pero estos métodos no son mutuamente excluyentes: muchos logros del realismo sólo fueron posibles gracias al desarrollo creativo y al replanteamiento de los principios románticos de la representación del individuo y del Universo. En la literatura rusa, muchas obras combinan ambos métodos de representación, por ejemplo, el poema de N.V. Gógol " Almas muertas"o la novela de M.A. Bulgakov "El Maestro y Margarita".
Modernismo (del francés moderne - más nuevo, moderno): el nombre general de fenómenos nuevos (no realistas) en la literatura de la primera mitad del siglo XX. La era del surgimiento del modernismo fue una crisis, un punto de inflexión, marcado por los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, el surgimiento de sentimientos revolucionarios en diferentes paises Europa, en las condiciones del colapso de un orden mundial y el surgimiento de otro, durante el período de intensificación de la lucha ideológica, la filosofía y la literatura adquirieron un significado especial. Este período histórico y literario (en particular, la poesía creada entre 1890 y 1917) se denominó Edad de Plata en la historia de la literatura rusa.
El modernismo ruso, a pesar de la diversidad de programas estéticos, estaba unido. Tarea común: buscar nuevo medios artísticos Imágenes de la nueva realidad. Este deseo se realizó de manera más consistente y definitiva en cuatro movimientos literarios: el simbolismo, el futurismo, el acmeísmo y el imagismo.
Simbolismo - un movimiento literario que surgió en Rusia a principios de los años 90 del siglo XIX. Se basa en las ideas filosóficas de Nietzsche y Schopenhauer, así como en las enseñanzas de B.C. Solovyov sobre "El alma del mundo". manera tradicional Los simbolistas contrastaron el conocimiento de la realidad con la idea de crear mundos en el proceso de creatividad. Es el arte, en su opinión, el que es capaz de registrar la realidad más elevada que se le aparece al artista en el momento de la inspiración. Por lo tanto, la creatividad en la comprensión de los simbolistas - la contemplación de "significados secretos" - es accesible sólo al poeta-creador. El valor del discurso poético radica en la subestimación, en ocultar el significado de lo que se dice. Como puede verse por el nombre mismo de la dirección, el papel principal en ella se le da al símbolo, el principal medio capaz de transmitir el significado secreto visto y "captado" de lo que está sucediendo. El símbolo se convierte en la categoría estética central del nuevo movimiento literario.
Entre los simbolistas, es tradicional distinguir entre simbolistas "mayores" y simbolistas "jóvenes". Entre los simbolistas "mayores", los más famosos son K.D. Balmont, V.Ya. Bryusov, F.K. Sologub. Estos poetas anunciaron una nueva dirección literaria en los años 90 del siglo XIX. Simbolistas “más jóvenes” Vyach. Ivanov, A. Bely, A.A. Blok llegó a la literatura a principios del siglo XX. Los simbolistas "más viejos" negaron la realidad circundante, contrastaron el sueño y la creatividad con la realidad (la palabra "decadencia" se usa a menudo para definir tal posición emocional e ideológica). Los “más jóvenes” creían que en realidad “ viejo Mundo", perecerá el que ha sobrevivido a su utilidad, y el que ha de venir " nuevo mundo"se construirá sobre la base de una alta espiritualidad y cultura.
acmeísmo (del griego akme - poder floreciente, el grado más alto de algo) - un movimiento literario en la poesía del modernismo ruso, que contrastaba la estética del simbolismo con una "visión clara" de la vida. No en vano, otros nombres para el acmeísmo son clarismo (del latín clarus - claro) y "adamismo" en honor al antepasado bíblico de todas las personas, Adán, quien dio nombres a todo lo que lo rodeaba. Los partidarios del acmeísmo intentaron reformar la estética y la poética del simbolismo ruso; abandonaron la metafórica excesiva, la complejidad, la pasión unilateral por el simbolismo y pidieron un "regreso" al significado exacto de la palabra, "a la tierra". Sólo la naturaleza material era reconocida como real. Pero la cosmovisión "terrenal" de los acmeístas era de naturaleza exclusivamente estética. Los poetas acmeístas tienden a recurrir a un único objeto cotidiano o fenómeno natural, poetizar “cosas” individuales y abandonar los temas sociopolíticos. “Anhelo de cultura mundial”: así definió O.E. el acmeísmo. Mandelstam.
Los representantes del acmeísmo fueron N.S. Gumilev, A.A. Ajmátova, O.E. Mandelstam y otros, que se unieron en el círculo del “Taller de Poetas” y se agruparon en torno a la revista Apollo.
futurismo (del latín futurum - futuro) - un movimiento literario de carácter vanguardista. En el primer manifiesto de los futuristas rusos (a menudo se llamaban a sí mismos "budetlyanos") había un llamado a romper con la cultura tradicional y reconsiderar el significado de la herencia artística clásica: "Deseche a Pushkin, Dostoievski, Tolstoi, etc. etcétera. del barco de vapor de la modernidad." Los futuristas se declararon opositores de la sociedad burguesa existente y buscaron reconocer y anticipar en su arte la próxima revolución mundial. Los futuristas abogaron por la destrucción de los géneros literarios establecidos, recurrieron deliberadamente a un vocabulario de "área reducida" y pidieron la creación nuevo idioma, que no limita la creación de palabras. El arte futurista puso en primer plano la mejora y renovación de la forma de la obra, mientras que el contenido pasó a un segundo plano o se consideró insignificante.
El futurismo ruso se convirtió en un movimiento artístico distintivo y se asoció con cuatro grupos principales: "Gilea" (cubo-futuristas V.V. Khlebnikov, V.V. Mayakovsky, D.D. Burlyuk, etc.), "Centrifuge" (N.N. Aseev, B.L. Pasternak y otros), "Asociación de egofuturistas” (I. Severyanin y otros), “Mezzanine of Poetry” (R. Ivnev, V.G. Shershenevich y otros).
imagismo (del inglés o francés imagen - imagen): un movimiento literario que surgió en la literatura rusa en los primeros años después revolución de octubre. Los imaginistas más “de izquierda” proclamaron que la tarea principal de la poesía era “comerse el significado a través de una imagen”, y siguieron el camino del valor intrínseco de la imagen y tejiendo una cadena de metáforas. “Un poema es... una ola de imágenes”, escribió uno de los teóricos del imagismo. En la práctica, muchos imaginistas gravitaron hacia una imagen orgánica, fusionada en estado de ánimo y pensamiento con la percepción holística del poema. Los representantes del imagismo ruso fueron A.B. Mariengof, V.G. Shershenevich. El poeta más talentoso, que teórica y prácticamente fue mucho más allá del alcance de los manifiestos del imagismo, fue S.A. Yesenin.
¿Qué método creativo, basado en los principios del historicismo artístico, lidera la obra de M.E. ¿Saltykov-Shchedrin?
Respuesta: realismo.
Indique el nombre del movimiento literario surgido en Rusia en el segundo cuarto del siglo XVIII, al que tradicionalmente se atribuye la obra de M.V. Lomonósov, D.I. Fonvizin y G.R. Derzhavina.
Respuesta: clasicismo.
¿Cuál de los géneros poéticos nombrados es un género de poesía sentimental?
2) balada
3) elegía
4) fábula
Respuesta: 3.
¿V.A. es llamado el fundador de qué movimiento literario en la literatura rusa? ¿Zhukovsky?
Respuesta: romanticismo.
¿Qué movimiento literario, reconociendo la existencia de patrones sociohistóricos objetivos, lidera en la obra de L.N. ¿Tolstoi?
Respuesta: realismo.
Indique el nombre del movimiento literario que surgió en la literatura rusa en los años 30 y 40 del siglo XIX y buscó representar objetivamente las razones de la imperfección de las relaciones sociopolíticas; dirección a la que pertenece el trabajo de M.E. Saltykov-Shchedrin.
Respuesta: realismo/realismo crítico.
¿En el manifiesto de qué movimiento literario de principios del siglo XX se afirmaba: “Sólo nosotros somos el rostro de nuestro tiempo” y se proponía “arrojar a Pushkin, Dostoievski, Tolstoi y otros del barco de vapor de la modernidad”?
1) simbolismo
2) acmeísmo
3) futurismo
4) imagismo
En una etapa temprana de su trabajo, A.A. Akhmatova actuó como uno de los representantes del movimiento literario.
1) acmeísmo 2) simbolismo 3) futurismo 4) realismo
La Edad de Plata en la literatura rusa es el período de desarrollo de la literatura, en particular de la poesía.
1) después de 1917
2) de 1905 a 1917
3) finales del siglo XIX
4) entre 1890 y 1917
Iniciando su carrera poética, V.V. Mayakovsky actuó como uno de los representantes activos.
1) acmeísmo
2) simbolismo
3) futurismo
4) realismo
En una de las etapas camino creativo S.A. Yesenin se unió al grupo de poetas 1) Acmeistas
2) simbolistas
3) futuristas
4) imagistas
En poesía rusa K.D. Balmont actuó como uno de los representantes.
1) acmeísmo
2) simbolismo
Objetivo complejo
saber
- el concepto de método artístico como conjunto de principios de representación artística;
- la categoría de movimiento literario como principal tendencia ideológica y estética de la creatividad;
- movimientos y escuelas literarias;
- información sobre el estilo artístico como un conjunto de elementos estables de la forma artística y el contenido de la creatividad, factores formadores de estilo, estilística del lenguaje y el habla, desarrollo historico teorías de estilo;
ser capaz de
Analizar la literatura tanto a nivel de la obra del escritor en su conjunto como de las obras individuales;
propio
- terminología y aparato conceptual de este tema;
- Habilidades para determinar las características estilísticas, figurativas y metodológicas de la obra de un autor individual.
método artístico
Se deben comprender claramente las relaciones e interrelaciones de categorías del proceso literario como el método artístico, la dirección y el movimiento literario y el estilo artístico.
El concepto de proceso literario es el más general, el punto de partida para definir todas las categorías que caracterizan los distintos aspectos de la literatura, relacionándose con sus distintos aspectos.
método artístico es una forma de dominar y mostrar el mundo, un conjunto de principios creativos básicos para la reflexión figurativa de la vida. Se puede hablar de método como la estructura del pensamiento artístico del escritor, que determina su acercamiento a la realidad y su reconstrucción a la luz de un determinado ideal estético.
El método se materializa en el contenido de la obra literaria. A través del método comprendemos aquellos principios creativos gracias a los cuales el escritor reproduce la realidad: selección, valoración, tipificación (generalización), encarnación artística de los personajes, fenómenos de la vida en la refracción histórica.
El método se manifiesta en la estructura de pensamientos y sentimientos de los héroes de una obra literaria, en las motivaciones de su comportamiento y acciones, en la relación de personajes y eventos, en la correspondencia del camino de la vida y el destino de los personajes con el Circunstancias sociohistóricas de la época.
El método artístico es un sistema de principios para la selección del material de la vida, su evaluación, principios y formas predominantes de generalización y replanteamiento artístico. Caracteriza un complejo de factores: una actitud social holística, ideológica, evaluativa, individualmente única, del artista ante la realidad, ante las necesidades reflejadas consciente o espontáneamente, las tradiciones ideológicas y artísticas. El método artístico determina en gran medida la especificidad de la imagen artística.
El concepto de “estilo artístico” está estrechamente relacionado con el concepto de “método artístico”. El método se implementa en un estilo, es decir. las propiedades generales del método reciben su especificidad histórico-nacional en el estilo del escritor.
El concepto de "método" (del griego, camino de investigación) denota "el principio general de la actitud creativa del artista hacia la realidad cognoscible, es decir, su recreación". Se trata de un tipo de formas de entender la vida que cambiaron en distintas épocas históricas y literarias. Según algunos científicos, el método subyace a tendencias y direcciones, y representa ese método de exploración estética de la realidad inherente a las obras de una determinada dirección. El método es una categoría estética y profundamente significativa. "Se materializa tanto en la estructura ideológica de la obra como en el principio de construcción de la imagen, la trama, la composición, el lenguaje. El método es la comprensión y reproducción de la realidad de acuerdo con las características del pensamiento artístico y el ideal estético".
El problema del método de representación de la realidad fue reconocido por primera vez en la antigüedad y quedó plenamente plasmado en la obra "Poética" de Aristóteles bajo el nombre de "teoría de la imitación". La imitación, pero de Aristóteles, es la base de la poesía y su objetivo es recrear el mundo tan parecido al real, o, más precisamente, como podría ser. La autoridad de esta teoría se mantuvo hasta finales del siglo XVIII, cuando los románticos propusieron un enfoque diferente (que también tiene sus raíces en la antigüedad, más precisamente en el helenismo): la recreación de la realidad de acuerdo con la voluntad del autor. y no con las leyes del “universo”. Estos dos conceptos, según la crítica literaria nacional de mediados del siglo pasado, subyacen a dos "tipos de creatividad": la "realista" y la "romántica", en cuyo marco los "métodos" del clasicismo, el romanticismo, varios tipos de Realismo y modernismo encajan. Cabe decir que el concepto de "método" fue utilizado por muchos teóricos y escritores literarios: A. Watteau, D. Diderot, G. E. Lessing, I. V. Goethe, S. T. Coleridge, quienes escribieron el tratado "Sobre el método" (1818).
La teoría de la imitación sirvió de base para el desarrollo del naturalismo. “Trabajando en “Thérèse Raquin”, escribió E. Zola, “me olvidé de todo en el mundo, me sumergí en la copia minuciosa de la vida, dedicándome por completo al estudio del cuerpo humano...”. A menudo, una característica de este método de reflejar la realidad es la total dependencia del creador de la obra del tema de la imagen, el conocimiento artístico se convierte en copia. Otro modelo puede conducir a la arbitrariedad de la subjetividad. Por ejemplo, F. Schiller argumentó que el artista, al recrear la realidad (“material”), “... se detiene poco ante la violencia contra él... El material que procesa, lo respeta tan poco como el mecánico; solo Intentará engañar con la aparente flexibilidad del ojo, que protege la libertad de este material." En varios trabajos, los científicos proponen complementar el concepto de método con el concepto de un tipo de creatividad, un tipo de pensamiento artístico. Al mismo tiempo, dos tipos de creatividad, recrear y recrear, cubren toda la riqueza de los principios de la reflexión artística.
En cuanto al problema de la relación entre método y dirección, es necesario tener en cuenta que el método como principio general de reflexión figurativa de la vida se diferencia de la dirección como fenómeno históricamente específico. En consecuencia, si esta o aquella dirección es históricamente única, entonces el mismo método, como categoría amplia del proceso literario, puede repetirse en las obras de escritores de diferentes épocas y pueblos y, por tanto, de diferentes direcciones y tendencias. Por ejemplo, encontramos elementos del principio realista de reflejar la realidad ya en las direcciones del clasicismo, el sentimentalismo, es decir. incluso antes de que surgiera el método realista mismo, del mismo modo que el realismo establecido penetra más tarde en las obras del modernismo.
- Guliaev N. A. Teoría de la literatura. M., 1985. P. 174.
- Manifiestos literarios de los realistas franceses. L., 1935. pág.98.
- Schiller F. Obras completas: a 8 τ. T.6.M.; L., 1950. pág.296.
