Alberto Giacometti: biografie și sculpturi. Alberto Giacometti: biografie și sculpturi Unde se află sculptura păianjen Giacometti

(Diego Giacometti, 1902–1985) a devenit unul dintre capetele de afiș ale licitațiilor de design. Fratele artistului, el i-a fost administrator, producător și coautor și, în plus, modelul lui preferat. „Diego’s Big Head” al lui Alberto a fost vândut în 2014 pentru 50 de milioane de dolari.

Mobilierul artistic creat de Diego Giacometti a fost colectat de Hubert de Givenchy, milionara americană Rachel Mellon și multe alte vedete și instituții culturale. Se află în colecțiile Muzeului Chagall din Nisa, Fundației Maga și Muzeului Picasso din Paris. Cea mai vastă colecție a lucrărilor sale - aproximativ 500 - a fost donată Muzeului de Arte Decorative din Paris după moartea sa.

În ceea ce privește costul lucrărilor sale, lucrările lui Diego sunt inferioare sculpturilor fratelui său vedetă. Recordul mondial a fost doborât de sculptura lui Alberto "Pointing Man", vândută la Christie's cu 141,2 milioane de dolari. Cifrele lui Diego sunt mai modeste, dar sunt și impresionante: cea mai scumpă lucrare - o masă cu figuri creată în anii 1970 - a mers la Sotheby ". s pentru 3,8 milioane de dolari. În martie 2017, când Christie's a vândut colecția de mobilier Diego Giacometti adunată de Hubert de Givenchy, un record a fost stabilit de un lot de patru scaune din bronz vândute cu 1.802.500 de dolari.Iar pe 20 septembrie 2017, în cadrul Festivalului de Design de la Londra, o pereche de fotolii cu capete de leu a fost de 608 mii de dolari la licitația Phillips.

Patru taburete, 1983. D. Giacometti.

Diego a rămas multă vreme în umbra strălucitului său frate. S-au născut și au crescut în orașul elvețian Borgonovo, lângă granița cu Italia. Tatăl lor, Giovanni Giacometti, era el însuși artist și era prieten cu artiști simboliști celebri la începutul secolului al XX-lea. Diego a studiat comerțul la Basel și Saint-Galle, apoi a călătorit și chiar, după cum se spune, a căzut în companie proastă în Marsilia, după care mama sa a insistat să se mute la fratele său mai mare la Paris. Din anii 1930, a fost imposibil să se separe munca lor. Alberto a insistat ca Diego să studieze tehnica de realizare a sculpturii în bronz și au lucrat adesea împreună într-un atelier comun. Diego s-a ocupat de partea tehnică și comercială. A realizat rame și matrițe de turnare pentru sculpturile fratelui său, a negociat cu turnătorii de bronz, clienții și comercianții de artă. Istoricii de artă spun că uneori a fost imposibil să se determine cine a adus o contribuție mai mare la crearea unei anumite lucrări - Diego sau Alberto.

Tabel, 1963. D. Giacometti.

Straus, 1977. D. Giacometti.

Scaun cu harpie pentru măsuță de toaletă, 1960. D. Giacometti.

În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, Diego a rămas singur la Paris; fratele său a plecat în Elveția. În această perioadă a făcut pași independenți în sculptură: a realizat lucrări animale - sculpturi din bronz de șopârle, broaște, porumbei, capete de leu... A folosit mai târziu figuri asemănătoare, împodobind cu ele scaune, mese și console. Diego Giacometti continuă să fie implicat activ în designul de obiecte după moartea fratelui său: din 1966 până la sfârșitul zilelor sale.

Acest mobilier grațios, artistic, echilibrat pe linia dintre arta sculpturii și designul aplicat, este baza moștenirii sale, pentru care colecționarii și comercianții de artă sunt dispuși să plătească, dacă nu milioane, atunci cel puțin sute de mii. de dolari.

Omul plimbător I

Ei bine, toată lumea cunoaște această sculptură a lui Giacometti (1901-1966). Una dintre cele mai recunoscute lucrări din arta avangardă, practic un simbol. Apropo, cea mai scumpă sculptură vândută vreodată. Acum câțiva ani, o persoană anonimă l-a cumpărat cu 104,3 milioane de dolari, ceea ce era un record la acea vreme. Zhenya a spus asta și despre ea. Prezentat pe bancnota de 100 de franci elvețieni.

El, Giacometti, este elvețian. S-a născut într-o familie de artiști, ceea ce este oarecum rar pentru artiștii de avangardă. Și apoi s-a format un întreg clan de Giacometti orientați creativ. Era și un frate - un arhitect, un unchi - un artist. Toată lumea este celebră. Ei bine, și așa, în lucruri mărunte au existat diverse Giacometti puțin cunoscute. Acestea. Înclinațiile creative ale Giacometti despre care scriu – s-au manifestat devreme – au fost încurajate încă din copilărie. El sculpta așa ceva. Babu Yaga, probabil ursul clișeu, Pulcinella, cocoșatul. Cine mai sunt micuții sculptori elvețieni?

Și apoi m-am ocupat de artă în serios. Am studiat câțiva ani la Geneva. Am mers în Italia pentru a atinge clasicii - în anii 1920 această tradiție academică „în Italia, în Italia” încă mai dădea semne de viață uneori. Giacometti a urmărit acolo, însă, nu numai clasici, astfel de clasici, ci și, de exemplu, cele mai complet arhaice - lucruri ale etruscilor, care mai târziu aveau să-l afecteze. Și în 1922 a plecat la Paris - așa trebuia să fie atunci.

A fost bine la Paris. Jumătate din populație erau artiști, poeți și scriitori, cealaltă jumătate erau modelele, spectatorii și cititorii lor. Giacometti s-a împrietenit cu Picasso, a început să studieze cu Bourdelle și cu Archipenko nostru la studioul Grand Chaumiere și, astfel, s-a familiarizat cu valorile cubismului târziu.

trunchi

Uman

Ei bine, totul este clar aici. O persoană sau o parte din ea este luată, tăiată în bucăți, de preferință sub formă de paralelipipedi, apoi pusă împreună într-o nouă structură. Numele rămâne același. Aici, principalul lucru este să nu exagerați și să nu intrați în jungla ceață a abstractionismului - în dezmembrarea proaspăt pliată, o persoană trebuie cumva să fie ghicită. Giacometti, după cum puteți vedea, a reușit.

Una dintre tendințele importante ale avangardei de atunci a fost apelul la culturile arhaice, iar Giacometti, ca neofit al artei noi, nu a ignorat-o. Acestea sunt roadele pasiunii sale pentru sculptura africană.

Două

Femeie lingura

Lucrare foarte simplă și concisă. Informațiile sunt oferite doar despre cele mai importante lucruri inițiale. Cele care contribuie la supraviețuire și procreare. În acest sens, soluția din „The Spoon Woman” este foarte ingenioasă - partea ei orientată sexual reprezintă vaginul unei linguri. Nu știu dacă așa se numește în elvețian* partea lingurii în care pui mâncarea, dar în cazul limbii ruse, conceptele coincid. În orice caz, există o dublare a sensului – atât lingura, cât și organele genitale conțin cel mai important lucru în ceea ce privește continuarea vieții. La sfârșitul acestei perioade, să spunem, arhaico-cubistă, Giacometti realizează următoarea lucrare, combinând ambele componente ale metodei sale creative din acea vreme:

Capul privitorului

Dar, desigur, cubismul nu era principalul lucru la Paris la acea vreme. Principalul lucru a fost suprarealismul. Și de aceea Giacometti a devenit suprarealist. Iată una dintre primele sale lucrări în această direcție.

minge suspendată

Aceasta nu este din viața obiectelor neidentificate. Este vorba despre sex și agresivitate, de exemplu. despre oameni. Orice suprarealist decent din cercul lui Breton ar fi trebuit să fie interesat de sex și agresivitate. Și orice suprarealist care era interesat de sex și agresivitate trebuia să facă parte din cercul lui Breton. Prin urmare, când Breton a văzut această piesă la o expoziție, l-a găsit pe Giacometti și l-a hirotonit ca suprarealist. Și a făcut ceea ce trebuia.

Femeie cu gâtul tăiat

Aici există mult sex și agresivitate. Figura feminină seamănă cu o mantis feminină. Suprarealiştii erau foarte interesaţi de mantis rugător. Permiteți-mi să vă reamintesc - sau să vă spun că ea, mantis femela, îl ucide pe el, mantis mascul, imediat după împerechere sau chiar în timpul acesteia. Acestea. imaginea ei strălucitoare conține ambele principii îndrăgite de suprarealişti. Și apoi chiar gâtul acestei nașe a fost tăiat - sunt două acte întregi de agresiune. Este frumusețea.

Pe lângă lucruri atât de frumoase, Giacometti a făcut unele complet neobișnuite. Sculptura clasică - ce este? Acesta este un fel de masă compactă care tinde să fie situată mai aproape de centrul său, de preferință înscrisă într-o curbă netedă închisă, din care, dacă este posibil, nimic nu iese în afară. Expresia supremă a acestui concept poate fi considerată „Băiatul ghemuit” de Michelangelo**.

Poți să te plimbi și să te uiți la o astfel de sculptură. Relativ vorbind, este imposibil să pătrunzi în interiorul sculpturii. Giacometti introduce cu îndrăzneală o categorie precum spațiul interior al sculpturii.

Masa suprarealista

Palatul la ora patru dimineața

Bineînțeles, nu era singurul care lucra cu acest spațiu intern în acel moment. Acest lucru a fost făcut de, să zicem, Moore și Zadkine. Dar Giacometti a făcut-o cel mai radical. Spațiul său interior era foarte vast. Mai mult decât masa în sine. Iar sculptura, ca urmare, semăna cu un fel de decor, apoi cu niște piese de mobilier.

Celulă

În ciuda tuturor succeselor sale în crearea sculpturii suprarealiste și a respectului colegilor săi, Giacometti a abandonat această afacere la sfârșitul anilor 1930 și chiar s-a certat cu suprarealiştii. Sau sunt cu el. Își petrece războiul la Geneva, iar după acesta se întoarce la Paris. Arta lui s-a schimbat complet în această perioadă.

femeie în picioare

Piața orașului

Aici trebuie să facem o mică digresiune. Giacometti era epileptic. Prin urmare, era familiarizat cu sentimentul de fragilitate corporală. Acest sentiment s-a intensificat în timpul celui de-al Doilea Război Mondial – este clar de ce. În plus, s-a gândit mult la moarte mult timp. A fost odată ca niciodată, în timpul unei călătorii în Italia, tovarășul său de călătorie a murit pe neașteptate pe una dintre trecătorii alpine. Acest lucru l-a șocat pe Giacometti - tocmai acum mergea și vorbea. Și brusc - el nu este acolo. Și el însuși a experimentat o întâlnire strânsă cu moartea când a fost lovit odată de o mașină la Paris și și-a rupt piciorul. După cum a spus Sartre despre acest incident, „ordinea mondială și-a dezvăluit esența amenințătoare”. Într-un cuvânt, până în 1947 Giacometti și-a dat seama și a simțit în sfârșit vulnerabilitatea și lipsa de apărare a omului***.

Carul

Sartre a numit aceste figuri întruchiparea existențialismului. A lui, ateu, desigur.

Îi voi arăta încă o dată acest „om care merge”, astfel încât să fie în fața ochilor tăi. Această lucrare a fost făcută după definiția lui Sartre, dar ea, într-o formă mai pură decât alte lucruri, concentrează semnificațiile pe care le avea în minte Sartre. Acest om este extrem de singuratic, fragil și absurd. Îi este greu să meargă - picioarele sale disproporționat de grele îl trag la pământ. Dar el vine. O astfel de mișcare - de nicăieri în nicăieri - este în mod tradițional citită ca o metaforă a vieții. Și acest om își trăiește viața cu curaj. El știe totul despre ea, îi cunoaște „esența amenințătoare”, își amintește că este singur pe lume, dar are un scop cunoscut doar de el și se îndreaptă spre el, orice ar fi și privind înainte. Nu cunosc o lucrare mai mișto și, în același timp, curajoasă în arta secolului al XX-lea. Este în forma sa cea mai pură întruchiparea tragicului eroism aristocratic al lui Conrad sau, așa cum a numit Sartre același lucru, ființa adevărată. Poate servi ca răspuns la întrebarea binecunoscută dacă poezia este posibilă după Auschwitz. Este posibil.

The Walking Man a fost prezentat în 1962 la Bienala de la Veneția. Giacometti a fost atunci recunoscut drept cel mai bun sculptor al timpului nostru.

Dar formal, aceste personaje excesiv de slăbite se întorc la un lucru etrusc pe care Giacometti l-a văzut în tinerețe în Italia.

Umbra de seara. secolul III î.Hr.

Mai trebuie spus ceva despre suprafața aspră și stângace a lucrărilor lui Giacometti din această perioadă. Pur formal, aceasta provine din sculptura impresionistă. Dar sensul aici este diferit. Pentru impresioniști, o astfel de suprafață transmitea fluiditatea, instabilitatea și variabilitatea constantă a vieții. Și Giacometti are toate acestea, dar principalul este, din nou, vulnerabilitatea. Mediul pare să corodeze și să deformeze suprafața corpului. Funcționează în general. Este greu de imaginat ca o astfel de muncă să meargă fără probleme. Nu e nevoie sa.

Bonusuri

Obiect invizibil sau mâini care țin vidul

Aici putem vorbi despre un grup sculptural din care lipsește un element. Ei bine, sau e invizibil. Aceasta este ceea ce această femeie se uită cu frică. Invizibilul în sculptură. Acest lucru nu s-a mai întâmplat înainte.

Mână

Bazat pe al Doilea Război Mondial.

Cap

Putem spune că acesta este capul „Omului care umblă”.

Diego într-o haină de ploaie

fratele Giacometti. Aici vorbim despre opoziția dintre spirit și materie. Capul este mic, dar mândru și puternic. Tot ce este puternic în corp pare să o trage în jos, în pământ, în mormânt. Dar capul iese și iese în afară - mândru și puternic.

Celulă

Din nou existențialismul. În acest caz, cușca nu este un simbol al violenței și al restricției libertății, ci un simbol al propriului spațiu personal mic. Adevărat, securitatea aparent oferită de această cușcă este iluzorie. Baza sa puternică și puternică se sprijină pe suporturi extrem de subțiri.

Bust mic pe soclu

Aceeași temă ca „Diego în Cape”.

Pisică

Kote. Dacă The Walking Man nu ar fi singur din punct de vedere conceptual, s-ar putea spune că aceasta este pisica lui. Sau el însuși, stând în patru picioare. Existentialist, in general, cat. Cu toate acestea, sunt deja pe cont propriu.

* Știu.

** După cum știți, a făcut-o ca un pariu dacă ar putea încadra în mod natural o figură umană în mărime naturală într-un mic cub de marmură. Dar nu schimbă nimic. Însuși subiectul disputei s-a născut din conceptul de sculptură despre care am vorbit mai sus.

*** Genet mi-a spus că Giacometti a avut ideea să facă o sculptură și să o îngroape pentru ca nimeni să nu o găsească vreodată, iar dacă ar face-o, ar fi abia când numele lui va fi uitat.

Irina Nikiforova

EXPOZIȚII

Numărul revistei:

Emisiune specială. ELVETIA - RUSIA: LA RUCRUCIA DE CULTURILE

Autoritatea Muzeului de Stat de Arte Frumoase numită după A.S. Pușkin s-a datorat în mare măsură conducerii sale în realizarea unor proiecte internaționale majore. Activitățile expoziționale ale muzeului nu se limitează la implementarea ideilor asociate cu mulți ani de studiu a propriei colecții. Interesul și eforturile semnificative ale angajaților săi au fost întotdeauna îndreptate spre implementarea proiectelor care ilustrează pagini din istoria artei plastice și completează lacunele din expoziția muzeului. De zeci de ani încoace, tradiția expozițiilor de lucrări ale artiștilor moderniști și clasicilor artei de avangardă a secolului XX se menține. Muzeul de Stat de Arte Plastice Pușkin a fost primul care a prezentat spectatorilor lucrările lui Picasso, Modigliani, Dufy, Miro, Dali, Magritte, Mondrian și Warhol. În urmă cu patruzeci de ani, astfel de spectacole reprezentau un adevărat șoc cultural, o demonstrație îndrăzneață a unui alt limbaj artistic pe fundalul „mitologiei estetizate” a unei țări totalitare.

Susținerea expoziției „Alberto Giacometti. Sculptura, pictura, grafica” pot fi considerate un eveniment major in viata culturala a Rusiei. Pregătirea primului spectacol al moștenirii extinse a artistului la Moscova și Sankt Petersburg a fost plină de dificultăți serioase, care, în ciuda interesului reciproc al participanților la proiect, uneori păreau de netrecut. Nu a fost imediat posibilă aducerea tuturor părților la un acord privind furnizarea lucrărilor, transportul și expunerea acestora. Negocierile cu partenerii elvețieni, care au durat câțiva ani, au fost oprite de două ori până când, în final, în vara lui 2008, a fost semnat un acord între Fundația Beyeler (Basel), Kunsthaus elvețian și Fundația Alberto Giacometti (Zurich), două mari muzee rusești. - Schitul de Stat și Muzeul A.S. Pușkin .Pușkin. Implementarea cu succes a proiectului și succesul său neîndoielnic cu publicul justifică eforturile depuse în organizarea expoziției.

În anii 1930, Giacometti a fost acceptat și favorizat de boemia pariziană; în anii 1940, datorită expozițiilor de la Galeria Pierre Matisse (New York), a câștigat popularitate în America; din anii 1950, a devenit liderul incontestabil al avangardistei europene. -artă de gardă. Dar până acum, opera artistului legendar, cunoscut în întreaga lume, este puțin cunoscută publicului rus.

Contemporanii au văzut arta sa ca o reflectare a ideilor filozofice și au analizat influența diferitelor mișcări de avangardă asupra dezvoltării stilului său. Teoreticianul suprarealismului Andre Breton a considerat lucrările sculptorului o ilustrare ideală a esteticii suprarealiştilor. Scriitorul, filozoful și dramaturgul francez Jean Paul Sartre credea că opera lui Giacometti a fost construită pe principiile fenomenologiei, iar imaginile pe care le crease existau „la jumătatea distanței dintre ființă și nimic”. Eseul lui Sartre despre artist, „Lupta pentru absolut” (1947), este o analiză a esenței existențiale a artei sale. Cu toate acestea, Giacometti însuși a negat în notele și eseurile sale orice legătură cu orice direcție în filosofie și artă.

Evitând declarațiile șocante și zgomotoase, Alberto Giacometti și-a întruchipat sentimentele în compoziții plastice. El a recunoscut: „Lucrez în principal pentru emoțiile pe care le experimentez doar atunci când sunt în proces de creație.” Absorbția fanatică în creativitate i-a permis pur și simplu să nu observe timpul, să meargă zile întregi fără să simtă foame sau nevoia de odihnă și somn. Și-a dedicat toată energia căutării unei modalități de a pătrunde în esența fenomenelor, încercând să descopere adevărata „căptușeală” a existenței.

Alberto a primit prima sa experiență artistică în atelierul tatălui său, pictorul elvețian Giovanni Giacometti. În copilărie, Alberto și-a dat seama de puterea darului său: „În copilărie, eram fericit la nesfârșit și îmi plăcea gândul că pot desena tot ce vedeam.” Impresionant, dotat cu abilități extraordinare, Giacometti a crescut într-o atmosferă de creativitate. În casa părintească din orașul Stampe, multe obiecte de interior - mobilier, covoare, candelabre - au fost realizate de părinte sau realizate după desenele sale. Alberto avea la dispoziție o bibliotecă de familie cu o bogată colecție de publicații de artă. S-a angajat intenționat în desen și pictură, copiend lucrările vechilor maeștri din ilustrațiile din cărți.

Călătoriile în Italia și cunoașterea lucrărilor vechilor maeștri - Tintoretto, Giotto, Mantegna - au devenit o etapă serioasă pentru tânărul artist în realizarea propriei individualități creative. Giacometti și-a amintit mai târziu că atunci, pentru prima dată, a simțit disperarea unei persoane care luptă spre ceea ce nu poate fi atins în artă - să reflecte adevărata viață ascunsă în spatele realității imaginare a lumii materiale.

Mutarea la Paris, studiile la Academia Grand Chaumiere și vizitarea atelierului „freneticului” Antoine Bourdelle au fost benefice pentru dezvoltarea talentului creativ al lui Alberto, în vârstă de 20 de ani. Dinamismul și drama internă a plasticității lui Bourdelle s-au dovedit a fi neobișnuit de apropiate de căutările încă inconștiente ale lui Giacometti. Modesta tinerețe de provincie a fost șocată de viața artistică activă a capitalei culturale. A pictat și sculptat, împrumutând mult din căutările formale ale artiștilor contemporani, a experimentat constant o pasiune pentru cubism și Dada și s-a supus de bunăvoie autorității fondatorului suprarealismului, Andre Breton, cu „Al doilea manifest al suprarealismului”, care a un aluat revoluționar, politic. La sfatul colegilor seniori, a vizitat departamentul de etnografie al Muzeului Omului, unde a găsit inspirație în formele plastice ale artei primitive din Africa și Polinezia.

Giacometti, cu entuziasmul unui neofit, a depășit „școala” pe care o învățase anterior, sistemul de pictură al tatălui său, expunând inconsecvența acestuia. În entuziasmul artistului de avangardă „convertit”, el a comis blasfemia publicând opusul literar „Ieri. Nisipuri mişcătoare." Această lucrare, bazată pe faptele autobiografiei sale, conținea fantezii (plăcerea sadică obținută din batjocorirea insectelor, violența împotriva membrilor familiei, păcatul de moarte al parricidului), care dezvăluia agresiunea subconștientă a artistului față de trecutul său. Descriind acțiuni distructive, el a căutat să se elibereze în imaginație de cadrul rigid al tradițiilor general acceptate. Moartea tatălui său, care a urmat curând, l-a rănit și l-a trezit pe Giacometti.

A absorbit cu lăcomie și a interpretat talentat totul nou, punându-l în formă artistică, exprimând vizual sensul a ceea ce a realizat, dar și-a pierdut curând interesul dacă nu corespundea obiectivelor sale în artă. Colaborarea cu un grup de suprarealiști a lăsat o amprentă serioasă asupra operei artistului, dar a fost doar un mic pas pe calea către „stil înalt”.

Romanul lui Honoré de Balzac „Capodopera necunoscută”, citit de Alberto Giacometti la începutul anilor 1940, a devenit un fel de program pentru el. Balzac a definit clar și simplu scopul căutării dureroase a artistului: „Frumusețea este strictă și capricioasă”, spune bătrânul pictor Frenhofer, „nu se dă atât de ușor, trebuie să așteptați ora favorabilă, să o găsiți și, având a apucat-o, a ținut-o strâns pentru a o forța să se predea. Forma este Proteus, mult mai evaziv și mai bogat în trucuri decât Proteusul mitului! Numai după o lungă luptă poate fi forțată să se arate în adevărata ei formă. Sunteți cu toții mulțumiți de prima formă în care ea acceptă să vă apară sau, cel mult, a doua sau a treia; Nu așa se comportă luptătorii învingători. Acești artiști inflexibili nu se lasă înșelați de tot felul de întorsături și persistă până când forțează natura să se arate complet goală, în adevărata ei esență.”

Giacometti s-a îndepărtat de reflexia goală a carcasei exterioare a modelului, carnea imensă umană. Curățând lumea pe care a creat-o din resturile aluviale, artistul a izolat carnea muritoare a materiei și, în cele din urmă, a lăsat în urmă energia fantastică a spiritului. An de an, Alberto Giacometti a depășit rezistența materialului, l-a făcut să sune ca un diapazon, transmițând tensiune emoțională. După capodoperele literare ale lui Kafka, Camus, Sartre, Beckett, lucrările lui Giacometti sunt o întruchipare vizuală a sentimentului tragic al abandonării omului de către Dumnezeu.

Giacometti a schimbat percepția asupra tipurilor tradiționale de artă plastică, amestecând tehnici de prelucrare a metalelor și suprafețe de pictură. Revoluția sa în artă constă în distrugerea principalului lucru care, de fapt, a constituit sculptura: a „abolit volumul”; figuri deformate la subțirea lamelor; introdus prin structuri ca un protest împotriva limbajului plastic tradițional cu tangibilitatea și greutatea lui accentuate. Figuri verticale aproape eterice adună și dețin orice spațiu - de la interioarele muzeelor până la piețele orașului, saturând totul în jurul lor cu magnetism deosebit. Nu au nevoie de contemplare lentă, de o plimbare circulară lină. Sculpturile ascuțite și expresive domină spațiul ca niște imagini grafice uriașe, clar desenate.

Suprafața turnărilor de bronz păstrează urme ale mâinilor lui Giacometti care ating lutul. Textura, combinată cu patinarea magistrală cu tranziții tonale complexe de la ocru cald la nuanțe reci de verde, ne permite să comparăm sculpturile cu pictura spațială. Picturile, desenele și gravurile lui Giacometti, dimpotrivă, conțin tehnicile de lucru ale sculptorului: el nu a fixat imagini cu un desen de contur clar, ci părea să modeleze obiecte, corpuri și chipuri, „bâjbând” după forma și poziția corectă în spațiu. prin repetari repetate ale conturului. Planeitatea hârtiei și a pânzei a căpătat volum, mișcări curgătoare au țesut imaginea, menținând dinamica „viziunii vii”.

Artistul a găsit pe neașteptate soluții la problemele pe care și le-a pus în cele mai simple lucruri. Astfel, un indicator rutier pentru o trecere de pietoni a servit drept imbold pentru crearea seriei „Walking” și „Crossing Space” la sfârșitul anilor 1940, iar modelele de sculptură, asamblate haotic în colțul unui atelier parizian înghesuit, au format un compoziție și a devenit o nouă imagine găsită („Pădurea”, 1950). Artistul a fost inspirat să creeze sculptura „Mână” (1947) după „Capodopera necunoscută” a lui Balzac. Ea ilustrează literal cuvintele unuia dintre personaje că o ghipsă dintr-o mână vie va rămâne doar o bucată de carne fără viață: „Sarcina artei nu este să copieze natura, ci să o exprime. ...Trebuie să înțelegem sufletul, sensul, aspectul caracteristic lucrurilor și ființelor... Mâna nu numai că face parte din corpul uman - ea exprimă și continuă gândul care trebuie înțeles și transmis.”

Giacometti a fost înzestrat cu nemulțumirea unui geniu: „Tot ceea ce pot realiza este atât de nesemnificativ în comparație cu ceea ce văd și ar echivala mai degrabă cu un eșec.” Aceste cuvinte exprimă adevăratele sentimente ale unei persoane obsedate de artă, pentru care scopurile creative erau sensul vieții.

Realizarea lor a fost posibilă în mare parte datorită lui Diego Giacometti, un talentat sculptor, designer de mobilier și designer de interior, care a rămas în umbra strălucitului său frate mai mare timp de mai bine de 40 de ani. Serviciul său credincios lui Alberto, sprijin moral și financiar, asistență în implementarea ideilor și, în cele din urmă, implementarea celei mai importante etape de lucru asupra sculpturii - transferul modelelor de lut în turnări de bronz în propria sa turnătorie - pot fi numite. o adevărată ispravă.

Pe baza colecției lui Diego, a colecției văduvei artistului Anette Arm și a cadourilor de la fratele său mai mic Bruno, s-a format Fundația Alberto Giacometti din Zurich. Mica expoziție, care a cuprins 60 de lucrări ale lui Giacometti, cea mai mare parte a cărora a fost asigurată de fundație, a reflectat toate perioadele lucrării maestrului, de la un autoportret timpuriu, realizat sub influența picturii tatălui său, până la ultimul său (nerealizat) proiect - o compoziție sculpturală pentru piața din fața Băncii Chase Manhattan din New York.

În Franța, a devenit interesat de problema relației dintre masă și spațiu în sculptură, pe care a încercat să o rezolve prin crearea așa-numitelor „sculpturi în cușcă”.

Primele lucrări ale lui Giacometti au fost realizate într-o manieră realistă, dar mai târziu a trecut la modele precum colaje volumetrice și a fost, de asemenea, influențat de suprarealismȘi cubism. Timp de câțiva ani a studiat arta Greciei Antice, Africii, Oceaniei și Americii antice, ceea ce l-a împins ulterior să creeze figurile subțiri de renume mondial, care exprimă sentimentul de izolare individuală caracteristic avangardei franceze. În 1927, lucrările sculptorului au fost prezentate la Salonul Tuileries, iar cinci ani mai târziu a avut loc prima sa expoziție personală. Odată cu începerea ocupației Franței, Giacometti a plecat la Geneva și a fost nevoit să rămână în Elveția până la sfârșitul războiului.

În 1945, Giacometti s-a întors la Paris și s-a implicat activ în viața artistică a capitalei franceze. Participarea la expoziții de grup, retrospective personale, precum și prietenie cu și Jean Genet, care a dedicat mai multe articole operei sale, i-a adus sculptorului o largă faimă în Europa. În perioada postbelică, a apărut un stil stabil al maestrului, care i-a determinat locul în arta secolului XX - în figuri extrem de alungite care tăiau literalmente spațiul, Giacometti a găsit o soluție exactă la problema dematerializării unui obiect. cu o schimbare în accent către gol. Spre sfârșitul vieții, Giacometti a preferat pictura.

„Seara Moscova” vă aduce în atenție o selecție a celor mai faimoase lucrări ale unuia dintre principalii sculptori ai secolului XX.

„Compoziție (bărbat și femeie)” (1927)

Multe dintre compozițiile cubiste ale lui Giacometti sunt construite în jurul formelor nervurate, ca și cum ar fi sudate din benzi paralele. Această sculptură evocă asocieri fie cu părți ale structurilor industriale cu scop necunoscut, fie cu instrumente muzicale. Formele rotunde (feminine) sunt într-o stare de interacțiune continuă cu dreptunghiuri, simbolizând principiul masculin - împreună formează ceva ca o mașină de mișcare perpetuă.

„Bala agățată” (1931)

În acest celebru design suprarealist, un volum sferic cu o adâncitură, balansând pe un fir, atinge forma semilună, provocând o senzație tactilă ascuțită în public. O lucrare destul de agresivă, plină de erotism pur, a făcut o impresie puternică asupra Andre BretonȘi .